Греческий храм — архитектурный образ союза людей и богов Афинский Акрополь как выражение идеала красоты Древней Греции — Гипермаркет знаний. Греческий храм архитектурный образ союза людей и Столичная финансово-гуманитарная академия

Искусство высокой классики (450 - 410 гг. до н.э.)

Вторая половина 5 в. до н.э. была временем особенно значительного расцвета искусств. Этот период именуется высокой классикой.

Ведущая роль в расцвете искусства высокой классики принадлежала Афинам - самому развитому в политическом, экономическом и культурном отношении полису.

Искусство Афин этого времени служило образцом для искусства других полисов, в особенности тех, которые были в орбите политического влияния Афин. В Афинах работало множество местных и приезжих художников - архитекторов, живописцев, скульпторов, рисовальщиков краснофигурных ваз.

Архитектура третьей четверти 5 в. до н.э. выступала как свидетельство победы разумной человеческой воли над природой. Не только в городах, но и среди дикой природы или на пустынных берегах моря ясные и строгие архитектурные сооружения господствовали над окружающим пространством, внося в него упорядоченный гармонический строй. Так, на крутом мысе Суний, в 40 км от Афин, на далеко выдвинутой в море самой восточной точке Аттики около 430 г. был сооружен храм бога морей Посейдона, словно первый город Эллады с гордостью утверждал этим свое морское могущество.

Передовая архитектурная мысль получила выражение не только в сооружении отдельных, выдающихся своими художественными качествами зданий, но и в области градостроительства. Впервые в эпоху Перикла была широко осуществлена правильная (регулярная) планировка городов по единому продуманному замыслу. Так была, например, распланирована военная и торговая гавань Афин - Пирей.

В отличие от большинства более древних греческих городов в Пирее мощеные улицы одинаковой ширины шли строго параллельно друг другу; под прямым углом их пересекали поперечные, более короткие и узкие улицы. Работы по планировке города были (не ранее 446 г. до н.э.) проведены архитектором Гипподамом из Милета - выходцем из малоазийской Греции. Восстановление городов Ионии, разрушенных во время войны персами, поставило перед зодчеством задачу строительства по единому плану. Здесь и возникли первые в истории архитектуры опыты общей планировки, на которые опирался в своей деятельности Гипподам. Главным образом планировка сводилась, как это было и в Пирее, к общей разбивке кварталов, причем при планировании улиц учитывался характер рельефа местности, а также направление ветров. Определялись заранее также и места расположения основных общественных зданий. Жилые дома Пирея были невысокими зданиями, выходившими на улицу глухими стенами, а внутри имевшими дворик с портиком на северной его стороне перед входом в жилые помещения. Эти жилые дома были относительно единообразны: в населенном свободными гражданами полисе 5 в. до н.э. не было того разительного неравенства, которое было характерно для позднейших городов эллинистического и римского времени.

В Афинах и при Перикле сохранилась старая, нерегулярная планировка. Но город украсился многочисленными новыми сооружениями: крытыми портиками (стоями), дававшими тень и защиту от дождя, гимнасиями - школами, где богатые юноши обучались философии и литературе, палестрами - помещениями для обучения мальчиков гимнастике и т. д. Стены этих общественных учреждений нередко покрывались монументальной живописью. Так, например, стены стой Пойкиле, то есть «Пестрой» стой, были украшены фресками знаменитого живописца середины 5 в. до н.э. Полигнота, посвященными темам Троянской войны и другим мифическим и историческим эпизодам. Все эти здания были сооружены по решению народа для удовлетворения его потребностей. Граждане Афин широко пользовались своей общественной архитектурой.

Но самым главным сооружением эпохи Перикла был новый ансамбль Афинского акрополя, который господствовал над городом и его окрестностями. Акрополь был разрушен во время персидского нашествия; остатки старых зданий и разбитые статуи были употреблены теперь на выравнивание поверхности холма Акрополя. В течение третьей четверти 5 в. до н.э. были возведены новые постройки - Парфенон, Пропилеи, храм Бескрылой Победы. Завершающее ансамбль здание Эрехтейона строилось позже, во время Пелопоннесских войн.

На холме Акрополя, таким образом, разместились основные святилища афинян и прежде всегр Парфенон - храм Афины Девы, богини мудрости и покровительницы Афин. Там же помещалась казна Афин; в здании Пропилеи, служившем входом на Акрополь, находились библиотека и картинная галлерея (пинакотека). На склоне Акрополя собирался народ на драматические представления, связанные с культом бога земного плодородия Диониса. Крутой и обрывистый, с плоской вершиной, холм Акрополя образовывал своего рода естественный пьедестал для венчающих его зданий.

Чувство связи архитектуры с пейзажем, с окружающей природой - характерная черта греческого искусства. Она получила свое последовательное развитие в годы расцвета классики. Греческие архитекторы превосходно умели выбирать места для своих построек. Храмы строились на скалистых мысах, на вершинах холмов, в точке схода двух горных гребней, на террасах горных склонов.

Храм возникал там, где ему было словно приготовлено место самой природой, и вместе с тем его спокойные, строгие формы, гармонические пропорции, светлый ирамор колонн, яркая раскраска противопоставляли его природе, утверждали превосходство разумно созданного человеком сооружения над окружающим миром. Мастерски располагая по местности отдельные здания архитектурного ансамбля, греческие зодчие умели находить такое их размещение, которое сочетало их в свободное от строгой симметрии органически естественное и вместе с тем глубоко продуманное единство. Последнее диктовалось всем складом художественного сознания эпохи классики.

С особенной ясностью этот принцип раскрылся в планировке ансамбля Акрополя.

Планировка и постройка Акрополя при Перикле были выполнены по единому продуманному плану и в сравнительно короткое время под общим руководством великого скульптора Греции - Фидия. За исключением Эрехтейона законченного в 406 г. до н.э., все основные сооружения Акрополя были воздвигнуты между 449 и 421 гг. до н.э. Вновь построенный Акрополь должен был не только воплотить представление о могуществе и величии Афинской морской державы и утвердить передовые идеи греческой рабовладельческой демократии на высшей ступени ее развития, но и выразить - впервые в истории Греции - идею общеэллинского единства. Весь строй ансамбля Акрополя времен Перикла пронизан благородной красотой, спокойно-торжественным величием, ясным чувством меры и гармонии. В нем можно видеть наглядное осуществление слов Перикла, полных гордости за культуру «сердца Эллады - Афин»: «Мы любим мудрость без изнеженности и красоту без прихотливости».

Полностью смысл планировки Акрополя можно понять, лишь учитывая движение торжественных процессий в дни общественных празднеств.

В праздник Больших Панафиней - день, когда от имени всего города-государства афинские девушки приносили в дар богине Афине вытканный ими пеплос, - шествие входило на Акрополь с запада. Дорога вела вверх, к торжественному входу на Акрополь - Пропилеям, построенным архитектором Мнесиклом в 437 - 432 гг. до н.э. . Обращенную к городу дорическую колоннаду Пропилеи обрамляли два неравных, но взаимно уравновешенных крыла здания. Одно из них - левое - было больше, но зато к меньшему примыкал выступ скалы Акрополя - Пиргос, увенчанный маленьким храмом Ники Аптерос, то есть Бескрылой Победы («бескрылой» - чтобы она никогда не улетала из Афин).

Этот небольшой по размерам, кристально ясный по форме храм был построен архитектором Калликратом между 449 и 421 гг. до н.э. Расположенный ниже других построек Акрополя и словно отделившись от общего массива холма, он первый у входа на Акрополь встречал процессию. Храм отчетливо выступал на фоне неба; четыре стройные ионические колонны на каждой из двух коротких сторон храма, построенного по принципу амфипростиля, придавали зданию ясное, спокойное изящество.

В планировке Пропилеи, так же как и храма Ники Аптерос, были умело использованы неровности холма Акрополя. Второй, обращенный к Акрополю и также дорический портик Пропилеи был расположен выше наружного, так что, проходя сквозь Пропилеи, шествие подымалось все выше, пока не выходило на широкую площадь. Внутреннее пространство прохода Пропилеи было оформлено ионическими колоннами. Таким образом, при строительстве Акрополя все время последовательно проводилось сочетание обоих ордеров.

Принцип свободной планировки и равновесия вообще характерен для греческого искусства, в том числе и для архитектурных ансамблей классического периода.

На площади Акрополя, между Пропилеями, Парфеноном и Эрехтейоном, стояла колоссальная (7 м высоты) бронзовая статуя Афины Промахос («Воительницы»), созданная Фидием еще до постройки нового ансамбля Акрополя в середине 5 в. до н.э.

Парфенон был расположен не прямо против входа на Акрополь, как в свое время стоял архаический храм Гекатомпедон, а в стороне, так что был виден от Пропилеи с угла. Это Давало возможность одновременно охватывать взглядом западный фасад и длинную (северную) сторону периптера. Праздничное шествие двигалось вдоль северной колоннады Парфенона к его главному, восточному фасаду. Большое здание Парфенона уравновешивалось стоявшим по другую сторону площади изящным и сравнительно небольшим зданием Эрехтейона, оттенявшим монументальную строгость Парфенона своей свободной асимметрией.

Создателями Парфенона были Иктин и Калликрат, начавшие строительство в 447 г. до н.э. и закончившие его в 438 г. Скульптурные работы на Парфеноне - Фидия и его помощников - продолжались до 432 г. Парфенон имеет по 8 колонн по коротким сторонам и по 17 по длинным: общие размеры здания 31 X 70 м, высота колонн - 10,5 м.

Парфенон стал совершеннейшим созданием греческой классической архитектуры и одним из высочайших достижений в истории зодчества вообще. Это монументальное, величественное здание возвышается над Акрополем подобно тому, как сам Акрополь возвышается над городом и его окрестностями. Хотя Афины располагали достаточно большими средствами, - вовсе не гигантские размеры, а гармоническое совершенство пропорций, прекрасная соразмерность частей, правильно найденные масштабы здания по отношению к холму Акрополя и по отношению к человеку определили собой впечатление монументальности и высокой значительности Парфенона. Героизация и возвеличение, а не умаление человека, легли в основу образного воздействия Парфенона. Соразмерное человеку, легко схватываемое с первого взгляда сооружение полностью соответствовало эстетическим идеалам классики.

Парфенон выстроен из квадров пентелийского мрамора, сложенных насухо.

Колонны Парфенона поставлены чаще, чем в ранних дорических храмах, антаблемент облегчен. Поэтому кажется, что колонны легко держат перекрытие. Незаметные для глаза курватуры, то есть очень слабая выпуклая кривизна горизонтальных линий стилобата и антаблемента, а также незаметные наклоны колонн внутрь и к центру здания исключают всякий элемент геометрической сухости, придавая архитектурному облику здания изумительную жизненность и органичность. Эти легкие отступления от геометрической точности были результатом продуманного расчета. Центральная часть фасада, увенчанного фронтоном, зрительно давит на колонны и стилобат с большей силой, чем боковые стороны фасада, совершенно прямая горизонтальная линия основания храма казалась бы зрителю слегка прогнутой. Для компенсации этого оптического эффекта поверхность стилобата и другие горизонтали храма делались зодчими классического времени не вполне точно горизонтально, а выгнутыми кверху. Ощущение еле уловимой выгнутости стилобата Парфенона усиливает впечатление упругого напряжения, которым пронизан весь его облик. Этой же цели служат и другие оптические поправки, введенные архитектором в ясный и упорядоченный строй периптера.

Благородство материала, из которого был построен Парфенон, позволило применить обычную в греческой архитектуре раскраску только для подчеркивания конструктивных деталей здания и для образования цветного фона, на котором выделялись скульптуры фронтонов и метоп. Так, были применены красный цвет для горизонталей антаблемента и фона метоп и фронтонов и синий - для триглифов и других вертикалей в антаблементе; праздничная торжественность сооружения подчеркивалась узкими полосками сдержанно введенной позолоты.

Выполненный в основном в дорическом ордере, Парфенон включил отдельные элементы ионического ордера. Это соответствовало общему стремлению классики и, в частности, создателей ансамбля Акрополя к объединению дорических и ионических традиций. Таков ионический по своему характеру зофор, то есть фриз, проходящий по верху наружной стены наоса за дорической колоннадой периптера, или четыре колонны ионического ордера, украшавшие внутри собственно «Парфенон» - зал, находящийся за наосом.

Парфенон был украшен исключительной по своему совершенству скульптурой. Эти статуи и рельефы, частично дошедшие до нас, были выполнены под руководством и, вероятно, при непосредственном участии Фидия - величайшего среди великих мастеров высокой классики. Фидию же принадлежала и 12-метровая статуя Афины, стоявшая в наосе. Кроме работ, выполненных для Акрополя, к которым Фидий приступил уже зрелым мастером, им был создан ряд монументальных тальных статуй культового назначения, как, например, гигантская статуя сидящего Зевса, стоявшая в храме Зевса в Олимпии, поражавшая современников выражением человечности. К сожалению, ни одна из знаменитых статуй Фидия не дошла до нас. Сохранилось лишь несколько мало достоверных римских копий, вернее было бы сказать - вариантов, восходящих к фидиевским статуям Афины и к другим его работам («Амазонка», «Аполлон»).

Для Акрополя Фидий создал три статуи Афины. Самой ранней из них, созданной, невидимому, еще при Кимоне во второй четверти 5 в. до н.э. и заказанной на средства из марафонской добычи, была упоминавшаяся выше Афина Промахос, стоявшая на площади Акрополя. Второй была меньшая по размерам Афина Лемния (то есть лемносская). Третья, Афина Парфенос (то есть Афина Дева), была создана в 40-е годы 5 в. до н.э., так как в 438 г. она уже была поставлена в храм.

Насколько можно судить по репликам и по описаниям, культовые статуи Фидия воплощали образ вполне реального в своей основе человеческого совершенства. Величие богов Фидия раскрывалось в их высокой человечности, а не божественности.

Так, Афина Промахос («Воительница»), изображенная в полном вооружении, спокойно и властно озирала распростертый у ее ног город и бдительно охраняла его от грозящих опасностей. Связь с окружающей жизнью, конкретность сюжетного мотива были, очевидно, характерны для этой статуи. О том, каким огромным жизненным содержанием могли насыщаться образы высокой классики, дает представление хранящаяся в музее Болоньи прекрасная римская копия головы Афины Лемнии, хотя некоторые ученые выражали сомнение, действительно ли это копия с фидиевской статуи. Особую жизненную силу придает образу сочетание возвышенной красоты с вполне определенным выражением лица, передающим полное напряженной настороженности внимание, энергию и уверенность в себе.

Торс Афины Лемнии, дошедший до нас в римской мраморной копии (Дрезден), дает понятие о том совершенстве, с которым Фидий создал спокойно и торжественно стоящую монументальную статую. Прекрасен ясный и простой силуэт, легко читаемый на большом расстоянии; выразительно переданы внутреннее напряжение и сдержанная энергия движения. Эта статуя - пример совершенного разрешения тех задач, которые ставила еще ранняя классика, стремясь создать образ, сочетающий монументальное величие с конкретной жизненностью.

Афина Парфенос несколько отличалась от более раннпх Афин Фидия. Культовый характер статуи, стоящей в храме, требовал большей торжественности образа. Отсюда - включение в изображение Афины символических деталей: змея у ног Афины, фигуры Победы на ее протянутой правой руке, пышного шлема, венчающего ее голову, и т. п. Тем же определена и возвышенная бесстрастность образа, если верить довольно отдаленным репликам римского времени.

На круглом щите Афины была представлена битва греков с амазонками, полная бурного движения и непосредственного чувства жизни. Среди действующих лиц Фидий поместил отмеченное портретным сходством изображение Перикла и свой автопортрет, что было проявлением новых исканий, не характерных для реализма ранней и высокой классики и предвещающих приближение следующего этапа в развитии классического искусства. За Эту дерзкую затею Фидий был обвинен в безбожии. «Особенно его обвиняли в том, что он, изображая на щите битву с амазонками, вычеканил свое собственное изображение в виде плешивого старика, поднявшего двумя руками камень, а также прекрасный портрет Перикла, сражающегося с амазонкой. Он очень искусно расположил руку, поднимающую копье перед лицом Перикла, как будто хотел скрыть сходство, но оно все же видно с обеих сторон» (Плутарх, биография Перикла).

Одной из примечательных особенностей статуй Афины Парфенос и Зевса Олимпийского была хрисоэлефантинная техника исполнения, существовавшая, впрочем, и до Фидия. Деревянная основа статуй была покрыта тонкими листами Золота (волосы и одежда) и пластинками слоновой кости (лицо, руки, ступни ног).

Представление о впечатлении, какое могла производить хрисоэлефантинная техника, может дать небольшой фигурный лекиф аттической работы конца 5 в. до н.э., найденный в Северном Причерноморье на Таманском полуострове, так называемый «Таманский сфинкс», одна из жемчужин античной коллекции Государственного Эрмитажа в Ленинграде. Эта ваза - прекрасный образец греческой фигурной керамики классического времени, замечательный тонким чувством радостной красочности, сочетанием изящества с монументальной ясностью образа. Золотые косы, диадема и ожерелье, белое, легко тонированное розовым лицо и грудь явно навеяны образцами хрисоэлефантинной техники.

Если представить себе, что сияющая золотом статуя Афины находилась в помещении относительно темном по сравнению с ярко освещенной солнцем площадью Акрополя, что полоски позолоты на наружных частях Парфенона как бы подготавливали зрителя к ожидаемому зрелищу, что внутри наос был раскрашен красным и синим цветом и ряд деталей был выделен позолотой, то придется признать, что золотое сияние статуи Афины гармонировало с общим характером красочной гаммы архитектурной отделки здания.

Наиболее полное представление о творчестве Фидия и вообще о скульптуре периода расцвета классики могут дать сохранившиеся в подлинниках, хотя и сильно поврежденные скульптурные группы и рельефы, украшавшие Парфенон( Значительные разрушения скульптур Парфенона вызваны не временем.Превращаемый то в христианский храм, то в мечеть, Парфенон простоял целым вплоть до конца 17 в.В 1687 г. во время бомбардировки венецианским флотом Афин бомба попала в Парфенон,превращенный турками в пороховой склад. Взрыв произвел значительные разрушения. Что не сделала бомба, то в начале 19 в. в отношении скульптур довершил английский посланник в Турции лорд Элгин. Воспользовавшись разрешением вывезти несколько плит с надписями, он выкрал почти все скульптуры и ночью, боясь народного возмущения, увез их в Лондон. Когда снимали статуи с уже поврежденного западного фронтона, он обрушился и разбился. ).

Скульптуры эти, как уже упоминалось выше, были созданы группой лучших ваятелей, руководимых Фидием. Весьма вероятно, что Фидий непосредственно участвовал и в выполнении самих скульптур. Можно утверждать, что во всяком случае композиционное решение, трактовка сюжетов и, возможно, эскизы фигур принадлежат Фидию. Вплоть до наших дней скульптурный ансамбль Парфенона является непревзойденным художественным памятником.

Все 92 метопы храма были украшены мраморными горельефами. На метопах западного фасада была изображена битва греков с амазонками, на главном, восточном фасада - битва богов с гигантами, на северной стороне храма - падение Трои, на южной, лучше сохранившейся, - борьба лапифов с кентаврами. Темы эти имели глубокий смысл для древних эллинов. Битва богов и гигантов утверждала, в образе борьбы космических сил, идею победы человеческого начала над первозданными стихийными силами природы, олицетворенными чудовищными гигантами, порождением земли и неба. Близка по значению первой теме и тема борьбы греков-лапифов с кентаврами. Троянские сюжеты имели более непосредственное историческое значение. Исторический миф о борьбе греков с троянцами, олицетворяющими малоазийский Восток, ассоциировался в представлении эллинов с недавно одержанной победой над персами.

Большая многофигурная группа, помещенная в тимпане восточного фронтона, была посвящена мифу о чудесном рождении богини мудрости Афины из головы Зевса. Западная же группа изображала спор Афины и Посейдона за обладание Аттической землей. Согласно мифу, спор решался сравнением чудес, которые должны были произвести Посейдон и Афина. Посейдон, ударив трезубцем о скалу, исторг из нее соленую целебную воду. Афина же создала оливковое дерево - эту основу сельскохозяйственого благополучия Аттики. Боги признали чудесный дар Афины более полезным людям, и владычество над Аттикой было передано Афине. Таким образом, западный фронтон, который первый встречал направляющуюся к Парфенону торжественную праздничную процессию, напоминал афинянам о том, почему именно Афина стала покровительницей страны, а главный, восточный фронтон, у которого заканчивалась процессия, был посвящен теме чудесного рождения богини - покровительницы Афин и торжественному изображению Олимпа.

Вдоль стены наоса за колоннами, как уже упоминалось, шел зофор, изображающий праздничное шествие афинского народа в дни Великих Панафиней, что непосредственно самой своей темой связывало ясно продуманный ансамбль скульптур Парфенона с реальной жизнью.

Скульптуры Парфенона дают ясное представление о том огромном пути, который был пройден греческим искусством за какие-нибудь 40-50 лет, отделяющие время создания акропольского комплекса от скульптур Эгинского храма.

Сохранившиеся метопы, посвященные преимущественно борьбе лапифов с кентаврами, представляют собой двухфигурные композиции, последовательно развертывающие перед зрителем перипетии этой борьбы. Поражает разнообразие движений и неистощимое богатство мотивов борьбы в каждой новой паре сражающихся. То кентавр, занеся над головой тяжелую чашу, нападает на упавшего и Закрывающегося щитом лапифа, то сплелись в жестокой схватке, вцепившись друг другу в горло, лапиф и кентавр, то, широко раскинув руки, гарцует над безжизненным телом павшего грека кентавр-победитель, то стройный юноша, схватив левой рукой за волосы кентавра, останавливает его стремительный бег, а правой заносит меч для смертельного удара.

Метопы эти были явно выполнены разными мастерами. В некоторых из них еще есть та резкая угловатость движения и подчеркнутая передача отдельных деталей, которая была, например, в западном фронтоне храма Зевса в Олимпии, посвященном тому же сюжету. В других, притом самых лучших, можно видеть все мастерство высокой классики в естественном и свободном воспроизведении любого реального действия и то глубокое чувство меры, которое неизменно сохраняет гармоническую красоту образа совершенного человека. Движения лапифов и кентавров в этих метопах непринужденно свободны, они обусловлены только характером той борьбы, которую они ведут, - в них не остается никаких отзвуков слишком очевидного и строгого подчинения архитектурной форме, какое было еще в метопах храма Зевса в Олимпии. Так в превосходном рельефе Парфенона, где полуобернувшийся назад лапиф, властной рукой ухватив за волосы кентавра, останавливает его стремительный бег и сгибает его тело, подобно тому как сгибают тугой лук, композиция подчинена логике движения фигур и сцены в целом и вместе с тем естественно соответствует пределам отведенного архитектурой пространства.

Этот принцип как бы непроизвольной, свободно возникающей гармонии архитектуры со скульптурой, полностью осуществляющей свои образные задачи и не разрушающей при этом архитектурного целого, - одна из важнейших особенностей монументальной скульптуры высокой классики.

На этом же принципе построены и композиции обоих фронтонов. При рассмотрении любой из фигур фронтонов в отдельности трудно предположить, что они включены в композицию, строго определенную архитектурной конструкцией. Так, поза полулежащего юноши Кефала с восточного фронтона вполне обусловлена самим мотивом движения фигуры, и вместе с тем она легко и ясно «вписывается» в острый угол фронтона, в котором находилась эта статуя. Даже на западном фронтоне храма Зевса в Олимпии движения фигур при всей их реалистической правдивости в общем были строго развернуты по плоскости фронтона. В таких статуях Парфенона, как Кефал (по другому толкованию - Тезей), достигнута полная свобода и естественность движения.

О композиции восточного фронтона и прежде всего о ее несохранившейся центральной части можно судить по рельефу на так называемом Мадридском путеале, где, впрочем, нарушен принцип треугольного расположения фигур. Фидий отказался от выделения оси симметрии композиции вертикально стоящей центральной фигурой. Прямая связь, которую получала при таком решении композиция фронтона с ритмом колоннады, была заменена гораздо более сложным соотношением. Свободные в своих движениях, полные жизни фигуры создавали группу, естественно размещенную в пределах треугольника фронтона и образующую ясно законченное и замкнутое в себе художественное целое. В центре фронтона были изображены сидящий на троне полуобнаженный Зевс и справа от него - полуобернувшаяся к нему и быстро двигающаяся к правому краю фронтона Афина в длинном хитоне и вооружении. Между ним и в вершине треугольника находилась парящая в воздухе Ника (Победа), венчающая Афину. За Зевсом, налево, был изображен Прометей (или Гефест), отшатнувшийся назад с топором в руке; справа от Афины - сидящая фигура Деметры, присутствовавшей здесь, вероятно, в своей роли родовспомогательницы. Таким образом, равновесие композиции было достигнуто здесь сложным перекрестным соответствием спокойно сидящих и стремительно движущихся фигур. Далее, по обе стороны центральной группы, располагались другие боги Олимпа. Из всех этих фигур сохранилась лишь сильно поврежденная крайняя левая - Ирида, вестница богов. Она полна бурного движения: складки ее длинной одежды развеваются от ветра, игра света и тени еще более усиливает динамику этой статуи. Слева, в самом углу фронтона, был помещен Гелиос - бог солнца, поднимающийся из вод Океана на квадриге; справа - опускающаяся книзу, так же как и Гелиос срезанная нижней чертой фротона, богиня ночи Никс (или Селена) со своим конем. Эти фигуры, обозначавшие смену для и ночи, тем самым показывали, что рождение Афины имеет значение для всей вселенной от востока до крайнего запада.

Полулежащая фигура юноши - Тезея или, быть может, пробуждающегося Кефала, мифического охотника, встающего с зарей на охоту, - встречает Гелиоса. Рядом с ним были расположены две сидящие женские фигуры, которые обычно считаются Орами. Вслед уходящей ночи глядела (судя по зарисовке фронтона, сделанной в 17 в.) одна из трех прекрасных девушек, дочерей ночи - богинь судьбы Мойр. Эти три одетые в длинные одежды женские фигуры образующие группу в правом конце фронтона и дошедшие до нас, хотя и без голов, но в сравнительно более сохранном состоянии, принадлежат, как и фигура Кефиса с западного фронтона, к числу величайших сокровищ греческого искусства.

Из уцелевших статуй сильно разрушенного западного фронтона наиболее совершенны Кефис, плавные, текучие линии тела которого, действительно, словно олицетворяют реку Аттики, группа Кекропа, легендарного основателя Афинского государства, с его молодой дочерью Пандросой и фигура Ириды.

Красота и величественность фронтонных скульптур Парфенона достигнуты отбором тех тонко прочувствованных естественных движений, которые своей свободной целесообразностью с наибольшей полнотой передают пластическую красоту и этическое совершенство человека.

Фриз (зофор) Парфенона дает ясное представление об особенностях построения классического рельефа. Все планы, на которые расчленяется рельеф, идут параллельно друг другу, образуя как бы ряд слоев, замкнутых между двумя плоскостями. Сохранению плоскости стены содействует единое, направленное строго параллельно плоскости стены движение многочисленных фигур. Ясная смена планов и ясный ритмический строй фриза рождают впечатление необычайной целостности изображения.

Перед создателями зофора стояла сложная композиционная задача. Необходимо было опоясать стены на протяжении около двухсот метров рельефом с изображением одного события - народного шествия, - избежав и монотонности и пестроты, и передать на плоскости стены невысоким рельефом все богатство и многообразие парадного шествия и его торжественную стройность. Мастера зофора блестяще справились со своей задачей. Ни один мотив движения на фризе ни разу в точности не повторяется, и, хотя фриз наполнен множеством разнообразных фигур людей, идущих, едущих на конях или колесницах, несущих корзины с дарами или ведущих жертвенных животных, всему фризу в целом присуще ритмическое и пластическое единство.

Фриз начинается со сцен подготовки юношей-всадников к шествию. Спокойные движения юношей, завязывающих ремни на сандалиях или чистящих коней, оттеняются время от времени вторгающимся сюда резким движением вставшего на дыбы коня или каким-либо стремительным жестом юноши. Далее мотив движения развивается все более быстро. Сборы закончены, начинается само шествие. Движение то убыстряется, то замедляется, фигуры то сближаются, почти сливаясь друг с другом, то пространство между ними расширяется. Волнообразный ритм движения пронизывает весь фриз. Особенно замечательна вереница скачущих всадников, в которой мощное в своем единстве движение складывается из бесконечного многообразия схожих, но не повторяющихся движений отдельных фигур, различных и по своему облику. Не менее прекрасно строгое шествие афинских девушек, длинные одежды которых образуют мерные складки, напоминающие каннелюры колонн Парфенона. Ритм движения девушек особенно оттеняется повернутыми навстречу мужскими фигурами (распорядителей празднества). Над входом, на восточном фасаде - боги, смотрящие на процессию. Люди и боги изображены одинаково прекрасными. Дух гражданственности делал возможным для афинян горделивое утверждение эстетического равенства образа человека образам божеств Олимпа.

Направление, представленное в искусстве скульптуры второй половины 5 в. до н.э. Фидием и всей аттической школой, им возглавляемой, занимало ведущее место в искусстве высокой классики. Оно наиболее полно и последовательно выражало передовые художественные идеи эпохи.

Фидий и аттическая школа создали искусство, синтезирующее все то прогрессивное, что несли в себе работы ионических, дорических и аттических мастеров ранней классики до Мирона и Пэония включительно.

Однако из этого не следует, что художественная жизнь сосредоточилась к началу второй половины века только в Афинах. Так, сохранились сведения о работах мастеров малоазийской Греции, продолжало процветать искусство греческих городов Сицилии и южной Италии. Наибольшее значение имела скульптура Пелопоннеса, в частности старого центра развития дорийской скульптуры - Аргоса.

Именно из Аргоса вышел современник Фидия Поликлет, один из великих мастеров греческой классики, работавший в середине и в третьей четверти 5 в. до н.э.

Искусство Поликлета связано с традициями аргосско-сикионской школы с ее преимущественным интересом к изображению спокойно стоящей фигуры. Передача сложного движения и активного действия или создание групповых композиций не входили в круг интересов Поликлета. В отличие от Фидия Поликлет был в известной мере связан с более консервативными кругами рабовладельческого полиса, которые в Аргосе были гораздо сильнее, чем в Афинах. Образы статуй Поликлета перекликаются со старинным идеалом гоплита (тяжеловооруженного воина), сурового и мужественного. В своей статуе «Дорифора» («Копьеносца»), выполненной около середины 5 в. до н.э., Поликлет создал образ юноши-воина, воплощавший идеал доблестного гражданина.

Бронзовая статуя эта, как, впрочем, и все произведения Поликлета, в подлиннике до нас не дошла; она известна только по мраморным римским копиям. Статуя изображает крепко сложенного юношу с сильно развитыми и резко подчеркнутыми мускулами, несущего на левом плече копье. Вся тяжесть его тела опирается на правую ногу, левая же отставлена назад, касаясь земли только пальцами. Равновесие фигуры достигнуто тем, что приподнявшемуся правому бедру соответствует опущенное правое плечо и, наоборот, опустившемуся левому бедру - приподнятое левое плечо. Такая система построения человеческой фигуры (так называемый «хиазм») придает статуе мерный, ритмический строй.

Покой фигуры Дорифора сочетается с внутренним напряжением, придающим его, казалось бы, внешне бесстрастному образу большую героическую силу. Точно рассчитанная и продуманная архитектоника построения человеческой фигуры выражена здесь в сопоставлении упругих вертикальных линий ног и бедер и тяжелых горизонталей плеч и мускулов груди и живота; этим создается проникнутое противоборствующими силами равновесие, подобное тому равновесию, которое дает соотношение колонны и антаблемента в дорическом ордере. Эта система художественных средств, разработанная Поликлетом, была важным шагом вперед в реалистическом изображении человеческого тела в скульптуре. Найденные им закономерности скульптурного изображения человека реально отвечали духу героической мужественности, который был характерен для образа человека классического периода Греции.

В стремлении теоретически обосновать рожденный реальной жизнью обобщенный типический образ совершенного человека Поликлет пришел к сочинению «Канона». Так был назван им его теоретический трактат и сделанная по правилам теории статуя; в них была разработана система идеальных пропорций и законов симметрии, по которым должно строиться изображение человека. Такая нормативная тенденция таила в себе опасность возникновения отвлеченных схем. Можно предполагать, что римские копии усилили те черты отвлеченности, которые были свойственны произведениям Поликлета. Среди дошедших до нашего времени подлинных греческих бронзовых статуэток 5 в. до н.э. некоторые, несомненно, более близки по духу искусству Поликлета. Такова хранящаяся в Лувре статуэтка обнаженного юноши. Несколько тяжеловатые пропорции, как и мотив сдержанного движения, напоминают работы Поликлета. Греческий оригинал дает возможность оценить особенности художественного языка Поликлета, утраченные в переложении римских копиистов. Луврский молодой атлет при всей аналитической точности и выверенности построения отличается естественностью жеста, жизненной убедительностью образа.

Под конец жизни Поликлет отошел от строгого следования своему «Канону», сблизившись с мастерами Аттики. Его «Диадумен» - юноша, увенчивающий себя победной повязкой, - статуя, созданная около 420 г. до н.э., явно отличается от «Дорифора» более изящными и стройными пропорциями, легким движением и большей одухотворенностью образа.

До нашего времени дошла римская копия «Раненой амазонки» Поликлета и римская же статуя «Амазонки Маттеи», восходящая к оригиналу Фидия. Они дают в известной мере возможность наглядно сопоставить особенности фидиевского и поликлетовского вклада в искусство классики.

Фидиевская амазонка изображена в тот момент, когда она, оглядываясь на приближающегося врага, опирается на копье, готовая вскочить на коня. Ее прекрасные пропорции лучше передают строение сильного тела девушки, чем построенные по «Канону» почти мужские пропорции амазонки Поликлета. Стремление к активному действию, непринужденная и выразительная красота движения характерны для искусства Фидия, художника более многогранного, чем Поликлет, более полно сочетающего в единое целое совершенную красоту образа с его конкретной жизненностью.

Поликлет изобразил раненую амазонку. Ее сильное тело ослабело, она облокотилась левой рукой на опору, правая рука ее закинута за голову. Но только Этим и ограничился Поликлет; в лице статуи нет выражения боли и страдания, нет и реалистического жеста, передающего движение страдающего от раны человека. Эти элементы отвлеченности позволяют передать только самое общее состояние человека. Но идеал мужественной сдержанности человека, растворение его переживаний в общем духе властвования собой - эти характерные особенности искусства Поликлета несли в себе высокие понятия о достоинстве совершенного человека - героя.

Если Поликлет смог дать рядом с высоким и прекрасным искусством Фидия и его сотоварищей по украшению Акрополя свой важный и значительный вариант искусства высокой классики, то иначе сложилась судьба его творческого наследия. В конце 5 в. до н.э., в годы Пелопоннесских войн, продолжатели Поликлета вступили в прямую борьбу с реалистической традицией фидиевской школы. Такие пелопоннесские скульпторы конца 5 в. до н.э., как Каллимах, искали лишь отвлеченного нормативного совершенства, далекого от всякого живого чувства действительности.

Но и в аттической школе, в кругу учеников и последователей Фидия, реалистические искания получают в последней четверти 5 в. до н.э. некоторые новые черты.

Среди непосредственных учеников Фидия, полностью остававшихся верными учителю, выделяется Кресилай, автор героизированного портрета Перикла. В этом портрете глубоко и сильно выражены спокойное величие духа и сдержанное достоинство мудрого государственного деятеля. Полные жизни прекрасные человеческие образы можно видеть и в других работах Кресилая (например, голова статуи эфеба, победителя в состязании).

С другой стороны, в том же кругу Фидия стали появляться произведения, ищущие усиления драматического действия, обостряющие темы борьбы, столь широко представленные в рельефах Парфенона. Рельефы такого рода, насыщенные бурными контрастами и напряженной динамикой, с грубоватой резкостью реалистических деталей были выполнены скульпторами, которых пригласил Иктин для украшения построенного им храма Аполлона в Бассах (в Фигалии). Этот фриз, изображающий битву греков с кентаврами и амазонками, вопреки обычным правилам находился в полутемном наосе и был выполнен в высоком рельефе с энергичным использованием контрастов света и тени. В эти рельефы (правда, " далеко не первоклассные по качеству) впервые были введенны элементы более субъективного и эмоционально заостренного восприятия, чем это было обычно принято. Передача бурных и грубо выразительных движений сражающихся, данных в разных раккурсах, усиливало это впечатление.

Среди мастеров фидиевской школы к концу 5 в. до н.э. появилось также тяготение к выражению лирического чувства, стремление с особенной мягкостью передать грацию и изящество движений. При этом образ человека оставался типически-обобщенным, не утрачивая свою реалистическую правдивость, хотя и теряя нередко героическую силу и монументальную строгость, столь характерные для произведений, созданных несколькими десятилетиями раньше.

Наиболее крупным мастером этого направления в Аттике был ученик Фидия - Алкамен. Он был продолжателем Фидия, но для его искусства характерны черты утонченного лиризма и более интимной трактовки образа. Алкамену принадлежали и некоторые статуи чисто фидиевского характера (например, колоссальная статуя Диониса). Однако новые искания всего яснее выступали в его работах другого порядка, как, например, в знаменитой статуе Афродиты, стоявшей в саду на берегу реки Илисса, - «Афродита в садах». Она дошла до нас в копиях и репликах римского времени.

Афродита была изображена Алкаменом спокойно стоящей, слегка склонившей голову и изящным движением руки откидывающей с лица покрывало; в другой руке она держала яблоко, возможно, дар Париса, признавшего Афродиту прекраснейшей среди богинь. С большим мастерством Алкамен передал сбегающие вниз складки тонкого длинного одеяния Афродиты, облекающего ее стройные формы. Совершенная красота человека была окрашена здесь восхищенным и нежным чувством.

В еще большей степени такие поиски лирического образа нашли свое осуществление в созданных около 409 г. до н.э. мраморных рельефах балюстрады храма Ники Аптерос на Акрополе. Эти рельефы изображали девушек, совершающих жертвоприношение. Замечательный рельеф «Ника, развязывающая сандалию» - один из шедевров скульптуры высокой классики. Лиризм этого произведения рождается и из совершенства пропорций, и из глубокой мерцающей светотени, и из нежной мягкости движения, подчеркнутого текучими линиями складок одежды, необычайно изящного, живого и естественного движения. Очень большую роль в сложении этого лирического направления в высокой классике сыграли многочисленные рельефы на надгробных стелах, прекрасные образцы которых были созданы в конце 5 в. до н.э. Таково, например, «Надгробие Гегесо», несущее в своей чисто бытовой жизненной правде высокое поэтическое чувство. Среди многих дошедших до нас надгробных рельефов конца 5 - начала 4 в. выделяются также стела Мнесарете и надгробие в форме лекифа из Ленинградского Эрмитажа. Древние греки очень мудро и спокойно относились к смерти: в надгробиях классического периода нельзя найти ни страха смерти, ни каких-либо мистических настроений. Они изображают живых людей, их тема - прощание, проникнутое задумчивым размышлением. Надгробные стелы классической поры своим светлым элегическим настроением были призваны утешить, поддержать человека в его страдании.

Изменения в художественном сознании, наметившиеся в последние десятилетия 5 в. до н.э., нашли свое выражение и в архитектуре.

Уже Иктин смело расширил творческие искания архитектурной мысли классики. В храме Аполлона в Бассах он впервые ввел в здание наряду с дорическими и ионическими элементами также и третий ордер - коринфский, хотя еще только лишь одна колонна внутри храма несла такую капитель. В Телестерионе, который был построен Иктином в Элевсине, он создал сооружение необычного плана, с обширным колонным залом.

Столь же новым было прихотливо асимметрическое построение здания Эрехтейона на Афинском акрополе, выполненного неизвестным архитектором в 421 - 406 гг. до н.э.

Место расположения здания в общем ансамбле Акрополя и его размеры были вполне определены характером зодчества периода расцвета классики и замыслом Перикла. Но художественная разработка этого храма, посвященного Афине и Посейдону, внесла новые черты в архитектуру классического времени: живописную трактовку архитектурного целого - интерес к сопоставлениям контрастных архитектурных и скульптурных форм, множественность точек зрения, раскрывающих новые, разнообразные и сложные впечатления. Эрехтейон построен на неровном северном склоне Акрополя, и его планировка продуманно включила в себя использование этих неровностей почвы: храм состоит из двух находящихся на разном уровне помещений, он имеет разной формы портики на трех сторонах - в том числе знаменитый портик кор (кариатид) на южной стене - и четыре колонны с промежутками, закрытыми решетками (замененными позднее каменной кладкой) на четвертой стене. Ощущение праздничной легкости и изящной стройности вызвано применением в наружном оформлении более нарядного ионического ордера и прекрасно использованными контрастами легких портиков и глади стен.

В Эрехтейоне не было наружной раскраски, ее заменяло сочетание белого мрамора с фиолетовой лентой фриза и позолотой отдельных деталей. Это единство цветового решения в большой мере служило объединению разнообразных, хотя и одинаково изящных архитектурных форм.

Смелое новаторство неизвестного автора Эрехтейона развивало живую творческую традицию высокой классики. Однако в этом здании, прекрасном и пропорциональном, но далеком от строгой и ясной гармонии Парфенона, уже пролагались пути к искусству поздней классики - искусству более непосредственно человечному и взволнованному, но менее героическому, чем высокая классика 5 в. до нашей эры.

Вазопись в эпоху высокой классики развивалась в тесном взаимодействии с монументальной живописью и скульптурой.

Опираясь на реалистические завоевания первой трети века, вазописцы высокой классики, однако, стремились умерить ту резкость в передаче деталей натуры или мотивов движения, которая встречалась ранее. Большая ясность и гармоничность композиции, величавая свобода движения и, главное, большая духовная выразительность стали характерными чертами вазописи этого времени. Вместе с тем вазопись несколько отошла от той конкретной жанровости сюжетов, которая наблюдалась в первой трети века. В ней появилось больше героических изображений на мифологические темы, сохранявших всю человечность ранней классики, но явно искавших монументальной значительности образа.

Вазописцев середины 5 в. до н.э. стало привлекать изображение не только действия, но и душевного состояния героев, - углубилось мастерство жеста, цельность композиции, хотя и за счет некоторой утраты той непосредственности и свежести, какие отличали творения Дуриса или Брига. Как и в скульптуре высокой классики, в образах вазописи этого времени передавались самые общие состояния человеческого духа, еще без внимания к конкретным и индивидуальным чувствам человека, к их противоречиям и конфликтам, к смене и борьбе настроений. Все это еще не входило в сферу внимания художников. Зато ценой некоторой обобщенности чувства было достигнуто то, что человеческие образы, созданные вазописцами середины 5 в. до н.э., обладают такой типичностью и столь ясной чистотой своего душевного строя.

Монументальная строгость и ясность характерны для росписи знаменитого «Кратера из Орвьето» - хранящейся в Лувре вазы со сценой гибели Ниобидов на одной ее стороне и изображением Геракла, Афины и Аргонавтов на другой. Фигуры свободно и естественно расположены по поверхности вазы, хотя для сохранения целостности этой поверхности художник избегает перспективных уменьшений, фигур, по смыслу размещенных на втором плане. Мастерское владение раккурсами, живые, естественные позы фигур подчинены строгому, спокойному ритму, объединяющему изображение со столь же гармоничной формой вазы. В «Кратере из Орвьето» краснофигурная вазопись достигает одной из своих вершин.

Примерами вазописи высокой классики могут служить такие сделанные во второй половине века рисунки, как «Сатир, качающий на качелях девушку во время весеннего праздника», как «Полиник, протягивающий ожерелье Эрифиле» (так называемая «Ваза из Лечче») и многие другие.

Около середины века получили широкое распространение лекифы с росписью по белому фону, служившие для культовых целей (связанных с погребением умерших). В них нередко рисунок достигал особенной непринужденной легкости (подчас переходившей в небрежность); он наносился черным лаком, обрисовывая основные линии фигуры, и после обжига раскрашивался (почему иногда из-за стершейся краски фигуры выглядят обнаженными). Образцом мастерского рисунка на белом фоне является изображение девушки, приносящей дары умершему, на аттическом лекифе Бостонского музея.

К концу 5 в. до н.э. вазопись начала приходить в упадок. Уже Мидий и его подражатели стали перегружать рисунки на вазах декоративными деталями; в этой нарядной узорной орнаментации фигуры людей, изображенные в затейливых раккурсных построениях, потеряли свое первенствующее значение - они стали безличными и одинаковыми, теряясь посреди развевающихся драпировок. Кризис свободного труда в конце 5 в. особенно пагубно отразился на творчестве мастеров-керамистов и рисовальщиков. Вазопись начала утрачивать художественное качество, превращаясь постепенно в механическое и безликое ремесло.

Не дошедшая до нас живопись классического периода, насколько можно судить по высказываниям древних авторов, имела, так же как и скульптура, монументальный характер и выступала в неразрывной связи с архитектурой. Выполнялась она, видимо, чаще всего, фреской; не исключена возможность, что в 5 в. до н.э., во всяком случае во второй половине его, употреблялись клеевые краски, а также восковые (так называемая энкаустика). Клеевые краски могли применяться как прямо по специально подготовленной стене, так и по грунтованным доскам, которые укреплялись непосредственно на стенах, предназначенных для росписи.

Живопись в 5 в. до н.э. носила строго обобщенный монументальный характер и создавалась для определенного места в архитектурном ансамбле. Сколько-нибудь достоверных сведений о существовании станковых произведений не сохранилось. Как монументальная скульптура дополнялась мелкой пластикой из терракоты или бронзы, тесно связанной с художественным ремеслом и с прикладным искусством, так и монументальная живопись, минуя ее собственно станковые формы, дополнялась вазописью, неразрывно связанной с искусством керамики. Монументальная живопись занимала важное место в художественной жизни того времени. Лучшие произведения пользовались большой славой. Крупнейшие мастера живописи были широко известны и окружены общественным почетом наряду с выдающимися скульпторами, поэтами, драматургами своего времени.

Живопись 5 в. до н.э. по своим эстетическим принципам была очень близка скульптуре, находясь в тесной взаимосвязи с ней. По существу изобразительные Задачи живописи в основном сводились к иллюзорному воспроизведению объема человеческого тела. Задача изображения среды, окружающей человека, его взаимодействия с ней в живописи 5 в. не ставилась. Собственно живописные средства изображения - светотень, колорит, передача атмосферы, пространственной среды- только зарождались, и то в основном в конце 5 в. до н.э. Но основной целью и в конце века оставалось стремление найти художественные средства, передающие пластическую объемность.

Лишь позже, уже в период поздней классики, в связи с общим изменением характера художественных идей, эти достижения стали использоваться сознательно для изображения человека в окружающей его природной и бытовой среде, для более богатой живописной и эмоциональной его характеристики.

Таким образом, 5 в. до н.э. - Это время сложения предпосылок для раскрытия изобразительных возможностей живописи. Вместе с тем реалистическое изображение человека или группы людей в разнообразных действиях, оперирование верными анатомическими пропорциями, правдивая передача телесности и объемности человеческих форм, зарождение последовательно реалистического понимания сюжета означали большой прогрессивный шаг в истории живописи по сравнению с более ранними условными или чисто декоративными композициями.

Крупнейшим мастером второй четверти и середины 5 в. до н.э.) современником Мирона, был Полигнот - уроженец острова Фасоса, получивший за свои работы, выполненные им для Афин, почетное звание афинского гражданина.

Круг тем Полигнота был близок к темам, к которым обращались мастера фронтонных композиций и рельефов. Это были эпические темы (из «Илиады», поэм Фиванского цикла) и мифологические (битва греков с амазонками, битва с кентаврами и др.).Важной особенностью вописи Полигнота было обращение к темам исторического характера. Так, в пинакотеке в Афинах, росписью которой руководил Полигнот, среди других фресок было выполнено изображение «Битвы при Марафоне».

По всей вероятности, однако, эти картины на исторические темы носили тот же обобщенно-героический характер, что и композиции, воспевающие высокие подвиги мифических героев. Подобно тому как «Персы» Эсхила, посвященные морской победе эллинов над полчищами Ксеркса, построены по тем же художественным принципам, что и его «Орестея» или «Семеро против Фив», так и эти исторические композиции Полигнота решались, видимо, в том же плане, что и мифологические картины, и входили вместе с ними в один и тот же общий ансамбль.

Одной из самых знаменитых работ Полигнота была роспись «Лесхи (дома собраний) книдян» в Дельфах, описание которой сохранил нам Павсаний, где Полигнот изобразил «Гибель Трои» и «Одиссея в Аиде».

Известно, что Полигнот употреблял только четыре краски (белую, желтую, красную и черную); видимо, его палитра не отличалась слишком резко от той, что применялась мастерами вазописи. Согласно описаниям, цвет у Полигнота носил характер раскраски и цветная моделировка фигуры им почти не применялась. Но его рисунок отличался высоким совершенством. Он верно в анатомическом отношении передавал тело в любых раккурсах и движениях. Древние восхищались тем, что Полигнот достиг совершенства в изображении лица, что он впервые стал передавать душевное состояние, в частности с помощью приоткрытого рта стремясь придать лицу черты эмоциональной выразительности. Подобные опыты в скульптуре осуществлялись мастерами западного олимпийского фронтона как раз в годы расцвета деятельности Полигнота.

Описания картин Полигнота дают основание полагать, что мастер не ставил перед собой задачи дать целостное изображение среды, в которой происходит действие. Древние авторы упоминают об отдельных предметах природы и обстановки, сюжетно связанных с действиями героев, например о камешках морского берега, но изображенных не на всей картине, а лишь для определения местонахождения героя. «До коня продолжается морской берег, и на нем видны камешки, далее на картине нет моря», - говорит Павсаний, описывая картину Полигнота «Гибель Трои». Видимо, Полигнот и другие живописцы 5 в. до н.э. еще не до конца осознавали все возможности живописи и не ощущали принципиальной разницы между изображением гальки морского берега на рельефе (как в сцене рождения Афродиты на «Троне Людо-визи») и задачей изображения морского побережья на картине. Никаких сведений о решении Полигнотом задач перспективы или светотени у древних авторов нет. Композиция, судя по всему, носила более или менее фризообразный характер.

Современники Полигнота высоко ценили его живопись за те же качества, которые они ценили и в скульптуре: величие духа, высокую нравственную силу (этос) героев, правдивость в изображении прекрасного человека.

Полигнот очень много сделал для реалистического, ясного и конкретного изображения человека в живописи. Последующее развитие греческого искусства, непрестанный рост интереса к внутреннему миру человека, к непосредственному чувственному восприятию его образа, появление большего интереса к быту и окружающей среде постепенно расширяли круг изобразительных задач, стоящих перед живописью.

Во второй половине и в конце 5 в. до н.э.. появился ряд живописцев, тесно связанных с общими тенденциями в развитии скульптурной аттической школы конца 5 в. до н.э. Наиболее известным мастером этого времени был Аполлодор Афинский. Для его живописи, трактовавшей традиционные сюжеты в более интимной и жанровой манере, чем его предшественники, характерны большая свобода цвета и интерес к моделировке форм тела посредством светотени. Плиний говорит об Аполлодоре, что «он первый начал передавать тени». Большое значение имеют указания древних авторов, дающие основания предполагать, что Аполлодор и другие живописцы конца 5 в. до н.э. (Зевксис, Паррасий) стали разрабатывать не только задачи изображения человеческого тела в движении, но и перспективу, как линейную, так и воздушную. Неизменной целью этих живописцев оставалось создание реалистических, прекрасных и живых человеческих образов.

Начиная с Аполлодора греческая живопись перестала быть воспроизведением скульптурно трактованных фигур на плоскости стены, а стала живописью в собственном смысле этого слова. Аполлодор одним из первых живописцев перешел и к писанию картин, не связанных органически с архитектурным сооружением. В этом отношении он не только развивал далее высокие традиции классики 5 в. до н.э., но и намечал новые пути реалистического искусства, ведшие к поздней классике.

Обозначенными в Государственном стандарте, ученик должен знать/понимать:

Знать основные виды и жанры искусства; изученные направления и стили мировой художественной культуры; шедевры мировой художественной культуры.

- Понимать особенности языка различных видов искусства.

Уметь узнавать изученные произведения и соотносить их с определенной эпохой, стилем, направлением; устанавливать стилевые и сюжетные связи между произведениями разных видов искусства; пользоваться различными источниками информации о мировой художественной культуре; выполнять учебные и творческие задания (доклады, сообщения);

Использовать приобретенные знания в практической деятельности и повседневной жизни для: выбора путей своего культурного развития; организации личного и коллективного досуга; выражения собственного суждения о произведениях классики и современного искусства; самостоятельного художественного творчества.

ОБРАЗОВАТЕЛЬНАЯ ПРОГРАММА КУРСА

МИРОВАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА

11 класс

на основе программы Емохоновой Л.Г.

Уровень базовый

Учебник: 11 класс: Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура: учебник для 10 класса: среднее (полное) общее образование (базовый уровень): Издательский центр «Академия». 2009

Составитель: Слепко Зоя Ивановна - учитель изобразительного искусства, высшая квалификационная категория

2013 - 2014 учебный год

ПОЯСНИТЕЛЬНАЯ ЗАПИСКА

Рабочая программа составлена на основе:

Приказа Министерства образования и науки РФ от 05.03.2004 г. №1089 «Об утверждении федерального компонента государственных образовательных стандартов начального общего, основного общего и среднего (полного) общего образования»;

Приказа Министерства образования и науки РФ от 09.03.2004 г. № 1312 «Об утверждении федерального базисного учебного плана и примерных учебных планов для образовательных учреждений Российской Федерации, реализующих программы общего образования»;

Программы Л.Г. Емохоновой «Мировая художественная культура» 10-11 класс // Программы общеобразовательных учреждений: Мировая художественная культура «Академический школьный учебник». 10– 11 классы. – М.: «Просвещение», 2008.

Программа рассчитана на 35 учебных часов из расчёта 1 часа в неделю.

Программа по Мировой художественной культуре составлена на основе Государственного стандарта среднего (полного) образования (базовый уровень) с учетом рекомендаций примерной программы.

Опираясь на обязательную часть учебного курса, зафиксированного в стандарте и раскрытого в примерной программе, программа, соблюдая преемственность, предлагает свой подход в раскрытии содержания, свою последовательность изучения тем и разделов предмета.

Изучение МХК направлено на достижение следующих целей и задач:

Формирование у учащихся целостных представлений об исторических традициях и ценностях художественной культуры народов мира.

Изучение шедевров мирового искусства, созданных в различные художественно-исторические эпохи, постижение характерных особенностей мировоззрения и стиля выдающихся художников-творцов;

Формирование и развитие понятий о художественно-исторической эпохе, стиле и направлении, понимание важнейших закономерностей их смены и развития в исторической цивилизации;

Осознание роли и места Человека в художественной культуре на протяжении ее исторического развития, отражение вечных поисков эстетического идеала в лучших произведениях мирового искусства;

Воспитание художественного вкуса;

Развитие чувств, эмоций, образно-ассоциативного мышления и художественно-творческих способностей.

Курс по мировой художественной культуре на базовом уровне систематизирует знания о культуре и искусстве, полученные на предыдущих ступенях обучения в общеобразовательных учреждениях. Он дает целостное представление о мировой художественной культуре и логике ее развития в исторической перспективе.

Древнейший пласт культуры характеризуется непосредственной связью искусства и мифологии, поэтому для изучения культуры Древнего мира были выбраны памятники, наиболее полно отразившие влияние на творческий процесс мифологического сознания, рецидивы которого встречаются подчас в современной жизни .

Изучение МХК направлено на формирование у учащихся общеучебных умений и навыков:

Умение самостоятельно и мотивированно организовывать свою познавательную деятельность;

Устанавливать несложные реальные связи и зависимости;

Оценивать, сопоставлять и классифицировать феномены культуры искусства;

Осуществлять поиск нужной информации в источниках различного типа;

Использовать мультимедийные ресурсы и компьютерные технологии для оформления творческих работ;

Понимать ценность художественного образования как средства развития культуры личности- определять собственное отношение к произведениям классики и современного искусства;

В соответствии с требованиями, обозначенными в Государственном стандарте, ученик должен:

знать /понимать:

- основные виды и жанры искусства;

- изученные направления и стили мировой художественной культуры;

- шедевры мировой художественной культуры;

- особенности языка различных видов искусства;

уметь:

- узнавать изученные произведения и соотносить их с определенной эпохой, стилем, направлением;

- устанавливать стилевые и сюжетные связи между произведениями разных видов искусства;

- пользоваться различными источниками информации о мировой художественной культуре;

- выполнять учебные и творческие задания (доклады, сообщения);

использовать приобретенные знания в практической деятельности и повседневной жизни для:

- выбора путей своего культурного развития;

- организации личного и коллективного досуга;

- выражения собственного суждения о произведениях классики и современного искусства;

- самостоятельного художественного творчества.

С учетом мировоззренческого характера дисциплины соотношение между традиционной урочной и внеурочной деятельностью, направленной на расширение кругозора и активное участие в современном культурном процессе, решается в пользу последней. Неслучайно в стандарте курсивом выделены названия памятников культуры, знакомство с которыми желательно для получения более полной и красочной картины художественного развития, но изучение которых на уроке необязательно. Акцент сделан на приобретение навыков, которые позволяли бы анализировать произведения искусства.

ОСНОВНОЕ СОДЕРЖАНИЕ КУРСА 11 КЛАСС (35 ЧАСОВ)

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ (9 ЧАСОВ)

Возрождение в Италии (5 часов)

Гуманистическое видение мира как основа культуры Возрождения. Флоренция - воплощение ренессансной идеи «идеального» города в трактатах, архитектуре, живописи. Леон Баттиста Альберти. «Десять книг о зодчестве». Филиппо Брунеллески. Купол собора Санта-Мария дель Фьоре. Приют невинных. Площадь Аннунциаты. Церковь Сан-Спирито. Образ площади и улицы в живописи. Мазаччо. «Воскрешение Товифы и исцеление расслабленного», «Раздача милостыни», «Исцеление тенью». Ренессансный реализм в скульптуре. Донателло. «Сплющенный» рельеф «Пир Ирода». Статуя Давида. Высокое Возрождение. Качественные изменения в живописи. Новая красота Леонардо да Винчи. Алтарный образ «Мадонна с цветком», «Джоконда» (портрет Моны Лизы). Синтез живописи и архитектуры. Рафаэль Санти. Росписи станцы делла Сеньятура в Ватикане: «Парнас». Скульптура. Микеланджело Буонарроти. Капелла Медичи в церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. Особенности венецианской школы живописи. Эстетика позднего Возрождения. Тициан. «Любовь земная и небесная», «Пьета». Музыка эпохи Возрождения. Роль полифонии в развитии светских и культовых музыкальных жанров. Переход от «строгого письма» к мадригалу. Джованни да Палестрина. «Месса папы Марчелло». Карло Джезуальдо. Мадригал «Томлюсь без конца».

Северное Возрождение (4 часа)

Специфика Северного Возрождения. Гротескно-карнавальный характер Возрождения в Нидерландах. Питер Брейгель Старший (Мужицкий). «Битва Масленицы и Поста». Живописный цикл «Месяцы»: «Охотники на снегу». Мистический характер Возрождения в Германии. Альбрехт Дюрер. Гравюры «Апокалипсиса»: «Четыре всадника», «Трубный глас». Картина «Четыре апостола». Светский характер французского Ренессанса. Школа Фонтенбло в архитектуре и изобразительном искусстве. Замок Франциска I в Фонтенбло. Россо Фьорентино. Галерея Франциска I. Жан Гужон. Фонтан нимф в Париже. Ренессанс в Англии. Драматургия Уильяма Шекспира: трагедия «Ромео и Джульетта», комедия «Укрощение строптивой».

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА XVII ВЕКА (5 ЧАСОВ)

Барокко (4 часа)

Новое мировосприятие в эпоху барокко и его отражение в искусстве. Архитектурные ансамбли Рима. Лоренцо Бернини. Площадь Св. Петра. Площадь Навона. Мост Св. Ангела. Новое оформление интерьера. Шатер-киворий в соборе Св. Петра в Риме. Специфика русского барокко. Франческо Бартоломео Растрелли. Зимний дворец и Смольный монастырь в Петербурге. Екатерининский дворец в Царском Селе. Плафонная живопись барокко. Джованни Баттиста Гаули (Бачичча). «Поклонение имени Иисуса» в церкви Иль Джезу в Риме. Взаимодействие тенденций барокко и реализма в живописи. Питер Пауэл Рубенс. Алтарные триптихи «Водружение креста» и «Снятие с креста» в соборе Нотр-Дам в Антверпене. «Воспитание Марии Медичи». Рембрандт Харменс ван Рейн. «Отречение апостола Петра». Музыка барокко. Кл аудио Монтеверди. Опера «Орфей». Арканджело Корелли. Concerto grosso «На рождественскую ночь». Иоганн Себастьян Бах. Пассион «Страсти по Матфею».

Классицизм (1 час)

«Большой королевский стиль» Людовика XIV в архитектуре. Версаль. Классицизм в изобразительном искусстве Франции. Никола Пуссен. «Царство Флоры», «Орфей и Эвридика».

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА XVIII - ПЕРВОЙ ПОЛОВИНЫ XIX ВЕКА (8 ЧАСОВ)

Рококо (1 час)

«Галантные празднества» Антуана Ватто. «Остров Цитеры». Интерьер рококо. Живописные пасторали Франсуа Буше. Музыкальные «багатели» Франсуа Куперена.

Неоклассицизм, ампир (5 часов)

Музыка Просвещения. Йозеф Гайдн. Сонатно-симфонический цикл. Симфония № 85 «Королева». Вольфганг Амадей Моцарт. Опера «Дон Жуан». Реквием: «День гнева», «Лакримоза». Людвиг ван Бетховен. Пятая симфония, «Лунная соната». Образ «идеального» города в классицистических ансамблях Парижа и Петербурга. Жак Анж Габриэль. Площадь Людовика XV в Париже. Джакомо Кваренги. Академия наук в Петербурге. Андрей Дмитриевич Захаров. Адмиралтейство в Петербурге. Скульптурный декор. Иван Иванович Теребнев. «Выход России к морю».

Имперский стиль в архитектуре. Специфика русского ампира. Карл Росси. Дворцовая площадь, Михайловский дворец в Петербурге. Ампирный интерьер. Белый зал Михайловского дворца в Петербурге.

Неоклассицизм в живописи. Жак Луи Давид. «Клятва Горациев». Классицистические каноны в русской академической живописи. Карл Павлович Брюллов. «Последний день Помпеи» . Александр Андреевич Иванов. «Явление Христа народу».

Зарождение классической музыкальной школы в России. Михаил Иванович Глинка. Художественные обобщения в оперном искусстве. Опера «Жизнь за царя». Необычные выразительные средства: марш Черномора, Персидский хор из оперы «Руслан и Людмила». Зарождение русского симфонизма: увертюра «Ночь в Мадриде». Новые черты в камерной вокальной музыке: лирический романс «Я помню чудное мгновенье».

Романтизм (2 часа)

Романтический идеал и его воплощение в музыке. Франц Шуберт. Вокальный цикл «Зимний путь». Рихард Вагнер. Опера «Тангейзер». Гектор Берлиоз. «Фантастическая симфония». Иоганнес Брамс. «Венгерский танец № 1». Живопись романтизма. Религиозные сюжеты и литературная тематика в живописи прерафаэлитов. Джон Эверетт Миллес. «Христос в доме своих родителей». Данте Габриэль Россетти. «Beata Beatrix». Экзотика и мистика. Эжен Делакруа. «Смерть Сарданапала». Франциско Гойя. «Колосс». Образ романтического героя в живописи. Орест Адамович Кипренский. «Портрет Евгр. В. Давыдова».

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ XIX - НАЧАЛА XX ВЕКА (7 ЧАСОВ)

Реализм (3 часа)

Социальная тематика в живописи. Гюстав Курбе. «Похороны в Орнане». Оноре Домье. Серия «Судьи и адвокаты». Русская школа реализма. Передвижники. Илья Ефимович Репин. «Бурлаки на Волге». Василий Иванович Суриков. «Боярыня Морозова». Направления в развитии русской музыки . Социальная тема в музыке. Модест Петрович Мусоргский. «Сиротка». Обращение к русскому обряду как проявление народности в музыке. Николай Андреевич Римский-Корсаков. «Проводы Масленицы» из оперы «Снегурочка». Историческая тема в музыке. Александр Порфирьевич Бородин. «Половецкие пляски» из оперы «Князь Игорь». Лирико-психологическое начало в музыке. Петр Ильич Чайковский. Балет «Щелкунчик». Тема «человек и рок» в музыке. Опера «Пиковая дама».

Импрессионизм, символизм, постимпрессионизм (2 часа)

Основные черты импрессионизма в живописи. Клод Оскар Моне. «Сорока». Пьер Огюст Ренуар. «Завтрак гребцов». Импрессионизм в скульптуре. Огюст Роден. «Граждане города Кале». Импрессионизм в музыке. Клод Дебюсси. «Сады под дождем», «Облака». Символизм в живописи. Гюстав Моро. «Саломея» («Видение»). Постимпрессионизм. Поль Сезанн. «Купальщицы». Винсент Ван Гог. «Сеятель». Поль Гоген. «Пейзаж с павлином».

Модерн (2 часа)

Воплощение идеи абсолютной красоты в искусстве модерна. Густав Климт. «Бетховенский фриз». Модерн в архитектуре. Виктор Орта. Особняк Тасселя в Брюсселе. Федор Осипович Шехтель. Здание Ярославского вокзала в Москве. Антонио Гауди. Собор Св. Семейства в Барселоне. Мифотворчество - характерная черта русского модерна в живописи. Валентин Александрович Серов. «Одиссей и Навзикая», «Похищение Европы». Михаил Александрович Врубель. «Демон». Специфика русского модерна в музыке. Александр Николаевич Скрябин. «Поэма экстаза».

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА XX ВЕКА (6 ЧАСОВ)

Модернизм (5 часов)

Модернизм в живописи. Новое видение красоты. Агрессия цвета в фовизме. Анри Матисс. «Танец». Вибрация живописной поверхности в экспрессионизме. Арнольд Шёнберг. «Красный взгляд». Деформация форм в кубизме. Пабло Пикассо. «Авиньонские девицы». Отказ от изобразительности в абстракционизме. Василий Васильевич Кандинский. «Композиция № 8». Иррационализм подсознательного в сюрреализме. Сальвадор Дали. «Тристан и Изольда». Модернизм в архитектуре. Конструктивизм Шарля Эдуара Ле Корбюзье. Вилла Савой в Пуасси. «Советский конструктивизм» Владимира Евграфовича Татлина. Башня III Интернационала. Органическая архитектура Фрэнка Ллойда Райта. «Дом над водопадом» в Бер-Ране. Функционализм Оскара Нимейера. Ансамбль города Бразилия. Модернизм в музыке. Стилистическая разнородность музыки XX века. Додекафония «нововенской школы». Антон фон Веберн. «Свет глаз». «Новая простота» Сергея Сергеевича Прокофьева. Балет « Ромео и Джульетта». Философская музыка Дмитрия Дмитриевича Шостаковича. Седьмая симфония (Ленинградская). Полистилистика Альфреда Гарриевича Шнитке. Реквием.

Синтез в искусстве XX века. Режиссерский театр Константина Сергеевича Станиславского и Владимира Ивановича Немировича-Данченко. Московский Художественный театр. Спектакль по пьесе Антона Павловича Чехова «Три сестры». Эпический театр Бертольта Брехта. «Добрый человек из Сычуани». Кинематограф. Сергей Михайлович Эйзенштейн. «Броненосец "Потемкин"». Федерико Феллини. «Репетиция оркестра».

Постмодернизм (1 час)

Постмодернистское мировосприятие - возвращение к мифологическим истокам. Новые виды искусства и формы синтеза. Энди Уорхол. «Прижмите крышку перед открыванием». Фернандо Ботеро. «Мона Лиза». Георгий Пузенков. «Башня времени Мона 500». Сальвадор Дали. Зал Мей Уэст в Театре-музее Дали в Фигерасе. Юрий Лейдерман. Перформанс «Хасидский Дюшан».

ТИПОЛОГИЯ УРОКОВ

В СИСТЕМЕ ХУДОЖЕСТВЕННО-ПЕДАГОГИЧЕСКОЙ СВЕРХЗАДАЧИ

Уроки мировой художественной культуры не похожи ни друг на друга, ни на уроки других предметных областей. Проектируя уроки, косвенно проектируется развитие учеников. И в этом контексте чрезвычайно важен смысловой центр, идея, положенная в основу взаимодействия педагога с детьми, вдохновляющая и направляющая его. Речь идет о своеобразной художественно-педагогической сверхзадаче.

Можно выделить четыре типа художественно-педагогических сверхзадач уроков мировой художественной культуры в 11 классе. Это погружение, постижение, сравнение, обобщение.

Художественно-педагогическая сверхзадача погружение ставится учителем в том случае, когда вдохновляющей идеей урока является эмоционально-образное проживание художественного шедевра, личностно-смысловое проникновение в его ауру, его глубинную суть, его стиль. В процессе такого погружения достигается эффект присутствия, усиленный субъективным восприятием каждого участника урока (и учащихся, и учителя). Эмоциональная окрашенность знаний позволяет максимально приблизить к нам изучаемые эпохи и стили, пережить их « здесь и сейчас ».

Музыкальное, поэтическое сопровождение способствует большей эмоциональной насыщенности и открытости границ урока, рождая личностное видение произведения искусства.

Художественно-педагогическая сверхзадача постижение носит ярко выраженный познавательно-творческий характер. В ходе уроков, построенных на этой смысловой доминанте, происходит не только освоение, но и личностное переосмысление произведений искусства и тех культурно-исторических условий, благодаря или вопреки которым, они были созданы. Такие уроки чрезвычайно важны для становления и развития мировоззрения подростка.

Постижение предполагает использование имеющихся у детей знаний об изучаемом культурном феномене и активное стимулирование их способностей к рассуждению и самостоятельному анализу особенностей памятников искусства.

Художественно-педагогическая сверхзадача сравнение нацелена на эмоциональное и аналитическое сопоставление художественных образов, их стилеобразующих черт, этапов развития видов искусства, мировоззренческих основ культурных эпох.

Художественно-педагогическая сверхзадача обобщение является смысловым стержнем итоговых уроков по различным тематическим разделам. Уроки, основанные на подобной сверхзадаче, позволяют:

1) обобщить социокультурный опыт, накопленный учащимися к моменту изучения конкретного художественно-исторического материала;

2) активизировать эмоциональный и познавательный багаж, полученный в курсе МХК;

3) выйти на новый уровень понимания центрального художественного образа эпохи.

Для успешной реализации художественно-педагогической сверхзадачи важен тип урока. Мы выбрали четыре типа: образ-модель, исследование, созерцание, панорама. Гибкое соотношение типа урока и поставленной сверхзадачи доказало свою эффективность на практике, повысив уровень эмоциональной отзывчивости и творческой активности учащихся.

На уроке по типу образ-модель важно найти эмоционально-художественное зерно, наиболее точно воплощающее смысловую доминанту темы. В качестве такого зерна может выступать архитектурная деталь, живописный прием, литературная или музыкальная форма.

Урок, построенный по типу образ-модель, дает учителю возможность целостно охватить и содержательный, и эмоционально-образный контекст материала, а учащимся - полнее и глубже прочувствовать произведение, стиль, эпоху, находя при этом отзвук собственных мыслей и ощущений в предмете искусства.

На уроке по типу образ-модель можно органично сочетать эмоциональные и рациональные аспекты восприятия художественной культуры.

В рамках урока-исследования важно не соскользнуть на дидактический тон подачи материала. Этот тип урока предъявляет к учителю особые требования. Исследование шедевров мировой художественной культуры на уроке - процесс вдумчивого изучения, постоянного рассуждения и размышления педагога совместно с детьми. Учитель в контексте урока (мы имеем в виду и информативный, и художественный, и эмоционально-образный контекст) не декларирует истину, а постоянно вовлекает ребят в процесс ее открытия, делая время от времени лишь небольшие комментарии.

Предлагается сочетать на уроках данного типа групповую работу с самостоятельной, индивидуальной, организовать которую можно с помощью индивидуальных карт - познавательно-творческой карты, карты размышлений, исследовательской карты.

Так же как урок по типу образ-модель, урок-созерцание наиболее полно отражает природу искусства и рассчитан прежде всего на внешнее, чувственное воздействие. Искусству созерцания с помощью наставлений и навязанных схем детей не научишь. Этот процесс настолько индивидуален и неповторим, насколько уникален каждый ребенок, каждый человек на земле. На уроках созерцания важны и интонация, и особая благожелательная атмосфера, позволяющая свободно высказывать свое мнение, задавать вопросы. Любое произведение искусства существует не только в своей материальной форме (на холсте, в камне, в нотной записи, в слове, на кинопленке и т.д.). По-настоящему оно начинает жить и раскрывать свой глубинный, истинный смысл в момент его восприятия.

К числу подобных художественно-педагогических приемов относятся художественно-эмоциональное созерцание, художественно-образное сравнение, художественно-психологическое наблюдение.

Широкий обзор, позволяющий охватить взглядом произведения одного или нескольких стилей, разных видов искусства, в контексте изучения мировой художественной культуры просто необходим. Такие уроки содержатся в каждом тематическом разделе курса. Они, как правило, целесообразны для итоговых, обобщающих тем либо для тем, включающих большой круг произведений и образов.

Классификация по типам уроков тематического раздела «Художественная культура эпохи Возрождения»

Пояснительная записка

Курс мировой художественной культуры систематизирует знания о культуре и искусстве, полученные в образовательных учреждениях, реализующих программы начального и основного общего образования на уроках изобразительного искусства, музыки, литературы и истории, формирует целостное представление о мировой художественной культуре, логике её развития в исторической перспективе, о её месте в жизни общества и каждого человека.

Развивающий потенциал курса мировой художественной культуры напрямую связан с мировоззренческим характером самого предмета, на материале которого моделируются разные исторические и региональные системы мировосприятия, запечатлённые в ярких образах. Принимая во внимание специфику предмета, его непосредственный выход на творческую составляющую человеческой деятельности, в программе упор сделан на деятельные формы обучения, в частности на развитие восприятия (функцию – активный зритель/слушатель) и интерпретаторских способностей (функцию - исполнитель) учащихся на основе актуализации их личного эмоционального, эстетического и социокультурного опыта и усвоения ими элементарных приёмов анализа произведений искусства. В связи с этим в программе в рубриках «опыт творческой деятельности» приводится примерный перечень возможных творческих заданий по соответствующим темам.

В содержательном плане программа следует логике исторической линейности (от культуры первобытного мира до культуры ХХ века). В целях оптимизации нагрузки программа строится на принципах выделения культурных доминант эпохи, стиля, национальной школы. На примере одного - двух произведений или комплексов показаны характерные черты целых эпох и культурных ареалов. Отечественная (русская) культура рассматривается в неразрывной связи с культурой мировой, что даёт возможность по достоинству оценить её масштаб и общекультурную значимость.

Изучение мировой художественной культуры на ступени среднего (полного) общего образования на базовом уровне направлено на достижение следующих целей :

развитие чувств, эмоций, образно-ассоциативного мышления и художественно-творческих способностей;

воспитание художественно-эстетического вкуса; потребности в освоении ценностей мировой культуры;

освоение знаний о стилях и направлениях в мировой художественной культуре, их характерных особенностях; о вершинах художественного творчества в отечественной и зарубежной культуре;

овладение умением анализировать произведения искусства, оценивать их художественные особенности, высказывать о них собственное суждение;

использование приобретенных знаний и умений для расширения кругозора, осознанного формирования собственной культурной среды.

Автор программы и учебника предлагает оригинальную типологию уроков МХК : образ-модель, исследование, созерцание, панорама. В планировании учитывается данная типология.

В результате изучения мировой художественной культуры ученик должен:

Знать / понимать:

основные виды и жанры искусства;

изученные направления и стили мировой художественной культуры;

шедевры мировой художественной культуры;

особенности языка различных видов искусства.

Уметь:

узнавать изученные произведения и соотносить их с определенной эпохой, стилем,

направлением.

устанавливать стилевые и сюжетные связи между произведениями разных видов искусства;

пользоваться различными источниками информации о мировой художественной культуре;

выполнять учебные и творческие задания (доклады, сообщения).

Использовать приобретенные знания в практической деятельности и повседневной жизни для:

выбора путей своего культурного развития;

организации личного и коллективного досуга; выражения собственного суждения о произведениях классики и современного искусства;

Требования к уровню усвоения предмета

Выпускники научатся:

ориентироваться в культурном многообразии окружаю­щей действительности, наблюдать за разнообразными явлени­ями жизни и искусства в учебной и внеурочной деятельнос­ти, различать истинные и ложные ценности;

организовывать свою творческую деятельность, опреде­лять ее цели и задачи, выбирать и применять на практике способы их достижения;

мыслить образами, проводить сравнения и обобщения, выделять отдельные свойства и качества целостного явления;

воспринимать эстетические ценности, высказывать мне­ние о достоинствах произведений высокого и массового ис­кусства, видеть ассоциативные связи и осознавать их роль в творческой деятельности.

Личностными результатами изучения искусства являются:

развитое эстетическое чувство, проявляющее себя в эмоционально-ценностном отношении к искусству и жизни;

реализация творческого потенциала в процессе коллек­тивной (или индивидуальной) художественно-эстетической деятельности при воплощении (создании) художественных об­разов;

оценка и самооценка художественно-творческих воз­можностей; умение вести диалог, аргументировать свою по­зицию.

Выпускники научатся:

аккумулировать, создавать и транслировать ценности ис­кусства и культуры (обогащая свой личный опыт эмоциями и переживаниями, связанными с восприятием, исполнением произведений искусства); чувствовать и понимать свою со­причастность окружающему миру;

использовать коммуникативные качества искусства; действовать самостоятельно при индивидуальном выполнении учебных и творческих задач и работать в проектном режиме, взаимодействуя с другими людьми в достижении общих це­лей; проявлять толерантность в совместной деятельности;

участвовать в художественной жизни класса, школы, го­рода и др.; анализировать и оценивать процесс и результаты собственной деятельности и соотносить их с поставленной за­дачей.

Художественная культура Древнего мира (14 часов)

Месопотамия (1час)

Месапотамский зиккурат – жилище бога. Реализм образов живой природы – специфика месопотамского изобразительного искусств

Древний Египет (2 часа)

Древняя Индия (2 часа)

Древняя Америка (1 час)

Древняя Греция (4 часа)

Древний Рим (2 часа)

Планировка римского дома. Фреска и мозаика – основные средства декора. Скульптурный портрет .

Художественная культура Средних веков (14 часов)

Византийский центрально-купольный храм как обиталище Бога на земле. Космическая и топографическая символика.

Обобщение по теме «Художественная культура Византии и Древней Руси»

Западная Европа (4 часа)

Новое искусство – Арс нова (3 часа).

Художественная культура Дальнего и Ближнего Востока в Средние века (3 часа).

Китай (1 час)

Взаимодействие инь и ян – основа китайской архитектуры. Архитектура как воплощение мифологических и религиозно-нравственных представлений Древнего Кит

Япония (1 час)

Древний Восток (2 часа)

Календарно – тематическое распределение количества часов

(ИКТ и др.)

Дата

план

факт

1-я четверть «Художественная культура первобытного мира» (3часа)

Миф – основа ранних представлений о мире. Древние образы в вертикальной и горизонтальной моделях мира: мировое древо, мировая гора, дорога. Обряд плодородия как воспроизведение первичного мифа

Образ-модель

Знать: какую роль играли мифы в жизни первобытных людей, какие мифы относятся к разряду космогонических. Мировое древо, мировая гора, дорога.

ЭУМ «Мифологическое мышление и первобытная картина мира», карточка-схема горизонтальной модели мира, карточка-схема вертикальной модели мира, текст ритуала, посвящённого Осирису

Фольклор как отражение первичного мифа. «Сказка о царевне Несмеяне». Славянские земледельческие обряды: святки, масленица, семик, праздник Ивана Купала.

Исследование

Знать: славянские обряды –Святки, Масленица, Русальная неделя, Семик, Иван Купала. Фольклор как отражение первичного мира.

Тексты обрядов святок, масленицы, русальной недели, семика, Ивана Купала.

Зарождение искусства. Художественный образ как основное средство познания и постижения мира в первобытном искусстве. Наскальная живопись палеолита и мезолита. Образность архитектурных первоэлементов.

Панорама

Знать: какие формы искусства характерны для первобытного мира, как художественные образы палеолита, мезолита и неолита отражают условия жизни в эти периоды.

ЭУМ «Синкретизм первобытного искусства», изображения наскальной живописи пещер Альтамира и Ласко, изображения Стонхенджа

2.Художественная культура Древнего мира (14 часов)

Месопотамия (1час)

Месапотамский зиккурат – жилище бога. Реализм образов живой природы – специфика месопотамского изобразительного искусства

Исследование

Знать: какие черты характерны для архитектурных сооружений в городах – государствах Месопотамии, чем они обусловлены.

Флеш-схема модели зиккурата, изображения зиккуратов в Уре и Этеменанке, флеш-схема ворот Иштар

Древний Египет (2 часа)

Воплощение идеи вечной жизни в архитектуре некрополей. Наземный храм – символ вечного самовозрождения бога Ра.

Образ-модель

Знать: в чём состоял заупокойный культ древних египтян, как архитектура египетских некрополей отражает идею вечной жизни.

Флеш-схема модели пирамиды, ЭУМ «Пирамиды – памятники бессмертия фараонов», изображения пирамиды в Гизе, храма Амона-Ра в Карнаке

Магия. Декор гробниц. Канон изображения фигуры на плоскости.

Исследование

Знать: как изменялось оформление гробниц знати в разные периоды египетской культуры, какие элементы декора саркофагов указывают на их роль оберега «священных останков»

ОМС «Древнеегипетский канон. Живопись, рельеф и скульптура», изображение гробницы Рамзеса IX в Долине Царей

Древняя Индия (2 часа)

Индуистический храм – мистический аналог тела-жертвы и священной горы. Роль скульптурного декора.

Образ-модель

Знать: архитектурные формы индуистского храма, декор индуистского храма

ЭУМ «Искусство Древней Индии», изображения храма Кандарья Махадева в Кхаджурахо

Буддийские культовые сооружения –символ космоса и божественного присутствия. Особенности божественной пластики и живописи.

Образ-модель

Обобщение

Знать: историю возникновения буддизма, основные типы буддийской храмовой архитектуры, их различие.

Изображение большой ступы в Санчи, фресковой росписи пещерных храмов Аджанты

2-я четверть Древняя Америка (1 час)

Храмовая культура индейцев Месаамерики как воплощение мифа о жертве, давшей жизнь.

Панорама

Знать: что определяет архитектурный облик храмов на территории Центрально- Мексиканского плато.

Изображение пирамиды Солнца в Теотиуакане, комплекса майя в Паленке

Крито-Микенская культура (1 час)

Крито-микенская культура и декор как отражение мифа.

Исследование

Знать: зарождение крито- микенской культуры, миф о похищении Европы.

Изображения Кносского дворца-лабиринта, дворца царя Агамемнона в Микенах

Древняя Греция (4 часа)

Греческий храм – архитектурный образ союза людей и Богов

Исследование

Знать: основные признаки архитектурных ордеров, возникших в Греции в период архаики, каким богам посвящались греческие храмы, какими характерными особенностями обладал архитектурный ансамбль афинского Акрополя.

Флеш-схема афинского Акрополя, изображение Парфенона

Эволюция греческого рельефа от архаики до высокой классики

Исследование

Знать: что нового привнёс Фидий в рельеф, почему его творчество считается вершиной греческой пластики, какую идею выражал ионический фриз Парфенона.

Изображение храма Афины в Селинунте, храма Зевса в Олимпии, фризов и метоп Парфенона

Скульптура Древней Греции от архаики до поздней классики.

Созерцание

Знать: древнегреческих скульпторов и их работы (Поликлет, Фидий, Скопас), как скульптура позволяет представить мироощущения греков в эпоху ранней, высокой, поздней классики.

ЭУМ «Выдающиеся скульпторы Древней Греции», изображения куросов и кор, «Дорифор» Поликлета; «Торс богини» Фидия; «Менада» Скопаса

Синтез восточных и античных традиций в эллинизме. Гигантизм архитектурных форм. Экспрессия и натурализм скульптурного декора.

Панорама

Знать: характерные черты искусства эллинизма, какие живописные приёмы применяли скульпторы эллинизма, чтобы передать драматизм и экспрессию.

Изображение спящего гермафродита, Венеры Мелосской, алтаря Зевса в Пергаме

Древний Рим (2 часа)

Особенности римского градостроительства. Общественные здания времён республики и империи.

Образ-модель

Знать: какие сооружения создавали облик городов Древнего Рима, какой архитектурный элемент составлял ядро любого римского сооружения.

Изображения Римского форума, Пантеона, Колизея

Планировка римского дома. Фреска и мозаика – основные средства декора. Скульптурный портрет.

Созерцание

Знать: в чём состояла архитектурная особенность римского дома, какими художественными средствами пользовались римляне для украшения жилищ.

Изображения дома Веттиев и Дома трагического поэта в Помпеях, изображение портретов Брута, Августа, Константина Великого

Раннехристианское искусство (1 час)

Типы христианских храмов: ротонда и базилика. Христианская символика. Мозаичный декор.

Панорама

Знать: какие типы храмов получили распространение в эпоху раннего христианства, что общего в декоре раннехристианских храмов любого типа, какие места особенно выделяются при украшении интерьера мозаикой в центрально-купольных храмах, в базиликах.

Изображения мавзолеев Констанции в Риме иГаллы Плацидии в Равенне, изображение базилики Санта Мария Маджоре в Риме

3.Художественная культура Средних веков (14 часов)

Византия и Древняя Русь (7 часов)

Святой собор

Образ-модель

Знать: в чём состоят особенности византийского стиля, чем определяется космическая символика византийского собора, как декор крестово-купольного храма отражает символическую идею Церкви Вечной.

Флеш-схема византийского храма, изображения собора святой Софии в Константинополе

Временная символика крестово-купольного храма. Византийский стиль в мозаичном декоре.

Созерцание

Знать: каким образом земная жизнь Иисуса Христа отображена в архитектуре крестово-купольного храма.

Изображения церкви Сан Витале в Равенне и собора святой Софии в Киеве

Византийский стиль в иконописи Древней Руси.

Исследование

Знать: какими живописными приёмами в византийском храме создавалась атмосфера сверхчувственного мира, с чем связан переход от красочной лепки лица к линейной стилизации.

ЭУМ «Богоматерь Владимирская», изображение деисуса иконостаса Благовещенского собора Московского Кремля Феофана Грека

Формирование московской школы иконописи. Русский иконостас.

Исследование

Знать: как проявляется различие в восприятии Судного дня в творчестве Феофана Грека и Андрея Рублёва, почему Рублёв считается создателем русского иконостаса.

Флеш-схема «Иконостас православного храма», ЭУМ «Андрей Рублёв «Троица»», изображение Спаса Звенигородского чина

Стилистическое многообразие крестово-купольных храмов Древней Руси. Московская архитектурная школа.

Созерцание

Знать: архитектурные храмовые сооружения начала 16 в.Собор Спаса Нерукотворного Спасо-Андроникова монастыря, Успенский собор, Архангельский собор, Церковь Вознесения в Коломенском.

ЭУМ «Храмы Древней Руси», изображения церкви Покрова на Нерли, церкви Спаса Преображения в Новгороде, изображения Успенского и Архангельского соборов Московского Кремля, ЭУМ «Церковь Вознесения в Коломенском»

Фресковые росписи на тему Величания Богородицы. Знаменный распев.

Созерцание

Знать: что такое «фреска», художника Дионисия, его работы.

Презентации «Фрески Дионисия в Ферапонтовом монастыре»; ЭУМ «Древнерусская музыка. Знаменный распев»

Обобщение по теме «Художественная культура Византии и Древней Руси».

Панорама

Уметь: правильно отвечать на вопросы.

ЭУМ «Архитектура Древней Руси. Практическое задание», ЭУМ «Древнерусская иконопись. Практическое задание», ЭУМ «Древнерусская музыка. Знаменный распев. Практическое задание».

Западная Европа (4 часа)

Дороманская культура. «Каролингское Возрождение». Архитектура, мозаичный и фресковый декор.

Панорама

Знать: по каким признакам ахенская капелла воспринимается как реплика архитектуры Древнего Рима, чем базилики «каролингского Возрождения» отличаются от раннехристианских.

Изображения капеллы Карла Великого в Ахене, базилики Сен-Мишель де Кюкса в Лангедоке, церкви Санкт- Иоханна в Мюстере

Романская культура. Отображение жизни человека Средних веков в архитектуре монастырских базилик, барельефах, фресках, витражах.

Образ-модель

Знать: как в архитектуре и декоре романской базилики и византийского собора выражена главная идея культурного развития западного и восточного ареалов, какую роль выполнял каменный декор романской базилики.

Флеш-схема «Модель романского храма», ЭУМ «Романский стиль в архитектуре», изображение церкви Санкт –Апольстен в Кёльне, аббатства Сен-Пьер в Муассаке

Готика. Готический храм – образ мира. Архитектура и скульптурный декор готического храма. Внутренний декор храма: витражи, скульптура и шпалеры. Григорианский хорал.

Образ-модель

Знать: отличие готического собора от романской базилики(по идейному содержанию, функциям, декору), какую роль играли витражи в интерьере готического собора.

Флеш-схема «Модель готического храма», ЭУМ «Художественная культура Средневековья. Готический стиль», изображение церкви Сен-Дени под Парижем, собора Нотр-Дам в Париже, ЭУМ «Музыка Средних веков»

Обобщение по теме «Художественная культура Западной Европы в Средние века».

Панорама

Уметь правильно выполнить практическую работу по теме

ЭУМ «Романский стиль в архитектуре. Практическая творческая работа»,

Новое искусство – Арс нова (3 часа).

Проторенессанс в Италии. Эстетика Арс нова в литературе. Античный принцип «подражать природе» в живописи.

Созерцание

Знать: как новое гуманистическое мышление появилось в литературе, в чём заключается новаторство Джотто.

Текст 1, 5 и 32 песен «Ада» Данте, изображение фресок капеллы Скровеньи в Падуе работы Джотто

Аллегорические циклы Арс нова на тему Триумфа Покаяния и Триумфа Смерти. Музыкальное течение Арс нова.

Созерцание

Знать: какая смысловая параллель просматривается между живописью и музыкой Арс нова.

Изображения Андреа да Бой наути «Триумф Покаяния», Мастера «Триумфа Смерти», кладбища Кампосанто в Пизе

Специфика Арс нова на севере.

Созерцание

Знать: Чем определяются особенности Арс нова в Нидерландах, какие черты, присущие готике, сохраняет Гентский алтарь Яна Ван Эйка, почему Гентский алтарь Яна Ван Эйка считается образцом ренессансной живописи.

Изображение алтаря Яна ван Эйка «Поклонение агнцу»

4.Художественная культура Дальнего и Ближнего Востока в Средние века (3 часа).

Китай (1 час)

Специфика Арс нова на севере.

Образ-модель

Взаимодействие инь и ян – основа китайской архитектуры. Архитектура как воплощение мифологических и религиозно-нравственных представлений Древнего Китая.

ЭУМ «Художественная культура Китая. Мифология и философия», изображение храма Неба в Пекине

Япония (1 час)

Японские сады как квинтэссенция мифологии синтоизма и философско-религиозных воззрений буддизма.

Созерцание

Знать: почему сады являются особым видом японского искусства, каким образом идея обретения «пустого сердца» находит выражение в устройстве философских садов.

Изображение Райского сада монастыря Бёдоин в Удзи, философского сада камней Рёандзи в Киото, чайного сада «Сосны и лютни» близ Киото

Древний Восток (2 часа)

Образ мусульманского рая в архитектуре мечетей.

Созерцание

Знать: какие различия существуют в организации внутреннего пространства и декоре колонной мечети и базилики, к какому декоративному средству прибегали зодчие для создания образа райского сада в купольных мечетях.

Флеш-схема «Модель мечети», изображение Голубой мечети в Стамбуле, мечети Омейядов в Кордове, дворца Альгамбра в Гранаде

Образ мусульманского рая в архитектуре дворцов.

(выполнить итоговое задание по культуре Ближнего Востока)

Обобщение

Знать: из каких элементов складывался образ райского сада в Альгамбре.

Емохонова Л. Г. Мировая художественная культура: программа для 10 – 11 классов: среднее (полное) общее образование (базовый уровень) .– М.: Издательский центр «Академия», 2007. – 16 с.;

Емохонова Л. Г. Мировая художественная культура: учебник для 10 класса: среднее (полное) общее образование (базовый уровень). – М.: Издательский центр «Академия», 2009. – 240 с.

Емохонова Л. Г. Мировая художественная культура: рабочая тетрадь для 10 класса: среднее (полное) общее образование (базовый уровень). – М.: Издательский центр «Академия», 2008. – 48 с.

Альбанезе М. Древняя Индия. От возникновения до 13 века/ М. Альбанезе.-М.,-2003.

Барская Н.А. Сюжеты и образы древнерусской живописи /Н.А. Барская.-М.,1993.

Бонгард-Левин Г.М. Древние цивилизации / Г.М. Бонгард-Левин.- М.,1989.

Гнедич П.П. Всемирная история искусств / П.П. Гнедич.-М.,1996.

Гомбрих Э. История искусства/ Э.Гомбрих.-М.,1998.

Любимов Л. Д. Искусство Древнего мира / Л. Д Любимов.-М.,1997.

Китай. Земля небесного дракона/под общ.ред. Э.Л. Шонесси.-М.,2001.

3. Архитектура Древней Греции периода классики: основные этапы эволюции. Ансамбль Афинского акрополя: архитектурно-планировочная идея, синтез скульптуры и архитектуры, идейная и художественная программа

1. 
   Введение

Искусство классики продолжает эволюцию, заложенную еще в архаике. Среди важнейших задач: облегчение пропорций, органичное сочетание скульптуры и архитектуры, разработка идеи архитектурного комплекса, включающего в себя несколько сооружений, вписанность храма в окружающий пейзаж, стремление к асимметрии.

Ведущим типом монументальной архитектуры в начале 5 века до н.э. по-прежнему оставался периптер. Храм становится короче, его целла шире. Внешняя колоннада периптера имеет теперь обычно по 6 колонн на торцевых сторонах и 13 на боковых, т.е. число колонн бокового фасада на единицу больше удвоенного числа колонн на торцевых фасадах. Расстояние между передним рядом колонн и пронаосом уменьшилось.

Постепенно греческий периптер, а вместе с ним и ордера приобрели ту устойчивую форму, которую обычно называют классической. В ордерах также установились типические черты, на фоне которых всякое отклонение форм или отношений воспринимается особенно красноречиво, являясь важнейшим средством индивидуальной характеристики сооружения. В 5 веке капитель теряет конструктивные достоинства и не столько выполняет, сколько изображает свойственную ей функцию. Главное помещение классического храма (целла и портики) обнесено колоннадой. Внешняя колоннада, отделяет жилище богов от домов простых смертных и является основным элементом храмовой архитектуры. В строительстве активно используется система курватур.

Пропорции стали одним из самых важных художественных средств архитектуры. Величие храма не в пышности или нагромождении архитектурных масс, а в чисто пластически понятой ясности объемов скульптурного и архитектурного целого. Самые пропорции храма не подавляют человека, а, наоборот, как бы соизмеримы ему. В то же время изменение пропорций определяло индивидуальный образ храма и то впечатление величия и мощи или легкости и изящества, которое ему стремился придать мастер.

Помимо этого, мастера 5 века до н. э. успешно решили одну из величайших проблем искусства – задачу органической взаимосвязи архитектуры и скульптуры. Фронтоны храмов представляли удобное место для больших многофигурных композиций. Статуи естественно заполняли поле фронтона и вместе с тем гармонично согласовывались с его очертаниями. Архитектура и скульптура выступали как равноценные искусства, дополняя и обогащая друг друга. В этом проявляется глубокое отличие искусства Греции от древневосточного искусства, где законы монументального зодчества определяли развитие скульптуры, полностью подчиняя ее требованиям архитектуры.

Отметим, что греческое зодчество еще лишено важнейшего качества: конструктивного и эстетического оформления большого внутреннего пространства. Внутреннее пространство в сравнительно небольшом греческом храме почти не развито. Во внешней конструкции здания оно почти не ощущается. Это указывает на известную примитивность развития античной архитектуры, но зато ни одна последующая эпоха не смогла воспроизвести в архитектуре что-либо подобное ее гармонической простоте.

Для античного храма чрезвычайно характерна связь с окружающей архитектурной и природной средой. Примитивностью античной техники можно объяснить то, что при сооружении храмов избегали больших работ по нивелировке, засыпке и т.д. Но нельзя не видеть, что греческие мастера осознавали эту «необходимость» как эстетическое преимущество, поэтому указанные черты определили одно из основных достоинств античной архитектуры. Например, весь комплекс Акрополя выступает в гармонии как с окружающими Афины холмами, так и с другими зданиями самих Афин.

1. 
   Переход от архаики к классике

Здесь уже заметно изменившееся соотношение колонны и антаблемента, а также отношение между несомыми и несущими частями. Меняется и крыша. Теперь нужна дополнительная точка опоры, как следствие появляется 2-ярусная внутренняя колоннада, которая является распором для крыши. План четкий и компактный – жилище бога должно быть гармоничным. Пропадает распластанность. Капитель приобретает диагональный абрис. Фронтон еще тяжелый, угол – тупой. Происходят изменения и в материале – появляется мрамор (пока еще только мраморная черепица). Черты архаики здесь: фриз больше архитрава, колонны на боковых сторонах храма стоят теснее, чем на торцевых. Курватуры отсутствуют. Важно, что здесь впервые осознается необходимость продумать сочетание интерьера и экстерьера. Внутри здесь была построена двухъярусная колоннада.

Переходный характер от архаики к классике виден и во фронтонных группах храма. Композиция обоих фронтонов была построена на основе строгой зеркальной симметрии. На западном фронтоне была изображена борьба греков и троянцев за тело Патрокла. В центре находилась строго фронтальная, фигура Афины, ее щит обращен наружной стороной к троянцам. Афина выступает как защитница эллинов. В фигурах воинов уже нет архаической фронтальности, движения реальнее, анатомическое строение правильное, чем было обычно в искусстве архаики. Хотя все движение развертывается строго по плоскости фронтона, оно в каждой отдельной фигуре достаточно жизненно и конкретно. Но на лицах воинов еще «архаическая улыбка». Композиционное единство достигнуто внешними, декоративными способами, в отличие от композиции восточного фронтона, где движения фигур были более естественны и свободны. Овладение сложным и противоречивым богатством движений человеческого тела, непосредственно передающим не только физическое, но и душевное состояние человека, - одна из важнейших задач классической скульптуры. Статуя раненого воина с восточного фронтона Эгинского храма была одной из первых попыток решения этой задачи. Характерно также, что здесь очень глубокая коробка фронтона, а скульптура – выступающая на три четверти или вообще круглая. Итог: передаются объемы, ракурсы, диагональные повороты и т.д. Отметим, что здесь очень глубокая коробка фронтона, а скульптура – выступающая на три четверти или вообще круглая. Итог: передаются объемы, ракурсы, диагональные повороты и т.д.

Архитектура 5 века до н. э. развивала и совершенствовала тип периптера, здания, окруженного колоннами, который сложился в зодчестве архаики. Ведущее место занимают храмы дорического ордера, их пропорции обретают большую цельность и гармоничность по сравнению с приземистыми и тяжеловесными храмами 6 века до н. э., а конструктивные решения отличаются точным расчетом и логической ясностью.

Наиболее полно эти черты проявились в храме Геры в II в Пестуме (середина 5 в. до н.э., илл. 3 ). Располагался рядом с храмом Геры I и ранее приписывался Посейдону, а не Гере. Здание, размеры которого составляют 60 х 24 м, сложено из твердого известняка золотистого цвета. Колоннада, поддерживающая перекрытие, возвышается на типичном для дорического храма трехступенчатом основании. Строго продумано и определено число колонн, окружающих храм: шесть – на фасаде и тринадцать – на продольных сторонах. Такое соотношение – характерная черта классической архитектуры. Единственнный греческий периптер, в наосе которого еще стоит часть внутренней 2-ярусной колоннады. 3-ступенчатое основание. План и общая композиция были задуманы не без влияния храма Зевса в Олимпии. Имеет более удлиненные пропорции и 6х14 колонн. Спокойный ритм убывающих по высоте колонн в сочетании с горизонталями архитравов создает характерное для всего интерьера ясное и спокойное равновесие. Эта уравновешенность замкнутого пространства целлы получила еще более совершенное решение уже во второй половине века в Парфеноне.

Второй переходный период – от ранней классики к высокой – отмечен появлением храма Зевса в Олимпии (460-450 гг. до н.э., илл. 4 ). Это «обетный» храм, на который собирались пожертвования по всей Греции. Архитектор Либон. При его строительстве особая сложность задачи, стоявшей перед архитектором, заключалась в том, что храм необходимо было вписать в комплекс, состоявший уже из множества построек. Как правило, новый храм строился на месте старого, превосходя его размерами и пышностью декора. Теперь же необходимо было сохранить старое наследие. Храм Зевса располагался на самом высоком месте, а вдобавок стоял на искусственном фундаменте. Как итог, здание возносится над старыми постройками. Материал – твердый ракушечник.

Храм представляет собой дорический периптер размерами 6х13 колонн. В древности он был знаменит хрисоэлефантинной статуей Зевса работы Фидия. Особо надо отметить регулярность в строении храма, высокие с большим выносом эхины и профили капителей напоминали своими очертаниями ордер эгинского храма. Большая часть скульптурных украшений фасада храма была сосредоточена на фронтонах. Олимпийский храм, объединявший в себе различные виды искусства, был, по-видимому, таким же превосходным примером строгой дорики первой половины 5 века до н.э., как впоследствии Парфенон – образцом аттической архитектуры второй половины этого века. Огромный, торжественно строгий и величавый олимпийский храм прекрасно соответствовал скрытой в его целле фидиевой статуи всемогущего Зевса.

Выдающуюся роль в истории классического искусства Древней Эллады сыграли скульптурные украшения этого храма, исполненные из паросского мрамора в 470 – 456 годах до н. э. (илл. 5 ). Общий стиль олимпийских скульптур уже приближается к стилю скульптур Мирона. На метопах храма были изображены двенадцать подвигов Геракла, восточный фронтон храма посвящен мифу о состязании Пелопса и Эномая, положившем основание олимпийским играм, западный – битве лапифов с кентаврами. Сюжетом композиции западного фронтона является миф о том, как предводитель племени лапифов Пейрифой пригласил на свой свадебный пир богов, героев и соседнее племя кентавров. Опьянев, кентавры попытались похитить женщин и юношей, в том числе и невесту Пейрифоя – Дейдамию. Герои вступили с ними в схватку. Композиция фронтона отличается единством замысла и высоким мастерством исполнения. Скульптуры занимают все поле фронтона, длина которого превышает 26 м, а высота – 3 м. В центре композиции скульптор поместил фигуру бога света и искусств Аполлона, который принес лапифам победу. Высокий и стройный Аполлон олицетворяет героизм и мужество человека. Властным жестом руки он указывает на кентавров, его лицо дышит сдержанной силой и уверенностью в победе. Слева изображен Пейрифой, сжимающий меч, а рядом с ним – Дейдамия, которая отталкивает локтем вцепившегося в нее кентавра Евритона. Справа от Аполлона стоит афинский герой Тесей с двойным топором. Его удар сейчас обрушится на голову кентавра. Хотя исход схватки еще не решен, но чувствуется, что побеждают греческие герои. Их лица спокойны и мужественны, тогда как лица кентавров искажены яростью и злобой. Превосходство разумного человека над стихийными силами природы – такова главная идея этой композиции.

Мастера, создававшие скульптуры западного фронтона храма Зевса, овладели приемами построения скульптурной композиции. Изображения мифических героев и кентавров объединены в группы по две или по три фигуры. Ни одна из этих групп не повторяет другую, в их расположении отсутствует строгая симметрия. Каждой группе в левой части фронтона соответствует группа из такого же количества фигур в правой части, что создает ощущение гармонического равновесия всей композиции фронтона. Скульптуры живут своей жизнью, но они с поразительным искусством «вписаны» в треугольник фронтона и составляют единое целое с архитектурным обликом здания.

Таким образом, западный фронтон представляет спокойное повествование, а западный – эмоциональный накал, и при этом обе фронтонных композиции связаны между собой. Кроме того, интересно, что даже при относительно небольшом количестве персонажей здесь создается ощущение мощных эпических панорам. Оба фронтона резко отличаются от фронтонов Эгинского храма с их декоративной условной композицией. Разница между фронтонами тут составляет около 20 лет, и это весьма существенно. Первый обладает архаическим решением, второй – значительно более поздним. Композиции фронтонов разные, но храм их объединяет. Таким образом, перед нами – идея продуманного спектакля. Кстати, приблизительно в это же время развивается греческая трагедия.

1. 
   Высокая классика: ансамбль афинского Акрополя

Акрополь (по-гречески «кремль») расположен на крутом скалистом холме в центре Афин (илл. 6 ). Скала Афинского акрополя возвышается посреди долины, которая с трех сторон окружена холмами, а четвертой, южной стороной примыкает к морю. Это естественное возвышение образует постамент, как бы созданный самой природой для помещающегося на нем комплекса. Акрополь Фидия изумительно гармонирует как с самим холмом, так и окружающим его пейзажем. Вместе с тем Акрополь – один из первых примеров архитектурного комплекса, сооруженного по единому, четко продуманному архитектурному плану (илл. 7 ).

В 480 – 479 годах до н. э. персы захватили Афины, разграбили и сожгли святыни города, в том числе и храмы на вершине Акрополя. Частично он был восстановлен вскоре же после победоносного окончания персидской войны, но вопрос о создании большого встал по-настоящему лишь тогда, когда Афины стали ведущей в Греции демократической державой. Уже стратег Кимон разработал план украшения Акрополя и провел целый ряд работ. Так, при нем Фидий создал статую Афину Промахос (Стерегущая). Однако важнейшая роль принадлежит другому стратегу Афин, а именно Периклу. Фигура Перикла очень важна как в истории Греции, так и в формировании комплекса акрополя. Окружение Перикла включало в себя интеллектуальную элиту того времени (философов, скульпторов, геометров, историков). Когда перед ним встал вопрос о восстановлении Афин после греко-персидских войн, он сразу отказался от Гипподамовой системы застройки (Гипподамова система – система планировки античных городов с пересекающимися под прямым углом улицами, равными прямоугольными кварталами и площадями, отводимыми под общественные здания и рынки, кратными стандартным размерам квартала. Связана с именем древнегреческого архитектора Гипподама из Милета (485 – 405 гг. до н. э.). По гипподамовой системе в разное время были распланированы многие как античные (Пирей, Родос, Фурии, Александрия Египетская), так и современные города). По мнению Перикла, система Гипподама была слишком геометрична и потому лишена гармонии, асимметрии, живописности. В то же время Перикл выступал и за создание нового архитектурного ордера, который должен был соединять достоинства дорики и ионики. Идеи Перикла о синтезе ионики и дорики, архитектуры и скульптуры, зданий и окружающей их природы были поддержаны и развиты Фидием при создании Акрополя. В создании Акрополя участвовали крупнейшие греческие архитекторы, и художники того времени: Иктин, Калликрат, Мнесикл, Каллимах и др. Скульптор Фидий руководил созданием всего ансамбля. Именно при нем был составлен единый план украшения Акрополя и были предприняты грандиозные строительные работы, которые длились несколько десятилетий и завершились созданием этого небывалого в истории искусства комплекса.

Несколько слов о Фидии. Он родился в Афинах между 500 и 480 годами до н. э. Первым его учителем был скульптор Гегий, дальнейшее художественное образование он получил в мастерской пелопоннесского мастера Агелада, у которого, согласно греческой традиции, учились также Мирон и Поликлет. Работая у Агелада, Фидий в совершенстве овладел искусством бронзового литья. Как художник и гражданин Фидий формировался в атмосфере патриотического подъема, вызванного победами греков над персами. Уже ранние его произведения ясно говорят, что для скульптора важную роль играла идея героического подвига его народа над завоевателями во время персидских нашествий между 465 и 460 годами. Например, Фидий отлил бронзовую скульптурную группу из тринадцати фигур, которую афиняне посвятили в дельфийский храм Аполлона. Рядом с изображениями богов и героев греческой мифологии мастер поместил статую полководца Мильтиада, командовавшего афинскими войсками в битве при Марафоне. Однако главный труд Фидия – это, несомненно, Акрополь.

Говоря об идейной и художественной программе Акрополя, необходимо учитывать несколько принципиальных моментов.

Политический контекст. Главная идея Акрополя – победа Аттики над персами и благодарность Афине за эту победу. Тема борьбы, победы и военной мощи является в Акрополе одной из ведущих. Она запечатлена в образе Афины Промахос (Воительница), в статуе Бескрылой Победы в храме Ники и в сценах схваток греков с кентаврами и амазонками, которые на метопах Парфенона и на щите Афины Девы символизируют борьбу с персами.

Связь с пейзажем. Акропольский холм сильно вытянут с запада на восток. Холм укрепляют, но его не облагораживают. Таким образом, хаос природной скалы (его можно наблюдать, шествуя по петляющей дороге к Акрополю) завершается наверху космосом рукотворной архитектуры.

Связь с ритуальными шествиями . Во второй половине 5 в. до н.э. Афины явились политическим и культурным центром Греции и достигли особенного блеска. Поэтому роль главного местного божества – Афины – очень важна. Еще со времен архаики в Афинах ежегодно устраивались панафинейские праздники в честь Афины. В эпоху Перикла они становятся всеобщим греческим праздником наряду с олимпийскими играми и дельфийскими празднествами. Панафинейские празднества делятся на большие и малые. Малые Панафинеи проводились ежегодно, а Большие, отличавшиеся большей продолжительностью, – один раз в пят лет. Кульминацией Панафиней была праздничная процессия, в которой участвовали все граждане Афин независимо от пола и возраста.Во главе процессии двигалась специальная повозка – так называемый панафинейский корабль – с расшитым пеплосом (одеянием) богини Афины, которое для каждого празднества Панафиней ткали и шили девушки из знатных афинских семей. Это было красивое одеяние с золотой канвой, элементами кентавромахии и амазономахии, которое торжественно дарилось деревянному ксоану Афины. После шествия афиняне совершали ритуал жертвоприношения - гекатомбу, за которым следовало совместное застолье, завершавшее программу Панафиней.

Для организации панафинейского шествия использовали дорогу из Элевсина, по которой ежегодно проходили участники Элевсинских мистерий 1 . Для этого дорогу значительно расширили и расположили таким образом, чтобы она не шла напрямую к Акрополю, а петляла, открывая разные точки зрения на Акрополь. Вся композиция Акрополя завязана на идее панафинейских шествий. Поэтому оба храма (Парфенон и Эрехтейон) повернуты к входу стороной без входа, чтобы нужно было обойти весь Акрополь и лишь потом войти в них.

Последовательность смены точек зрения по мере приближения к Акрополю. Планировщики так рассчитали основные архитектурные сооружения, что одновременно глазом можно было полностью охватить только одно из них. Подъем на Акрополь шел зигзагом, дальше он поворачивал к центральному проходу Пропилеев, торжественной дорической колоннады. От восточного фасада Пропилеев начиналась «священная дорога», тянувшаяся по продольной оси всего холма. Немного левее ее стояла статуя Афины Промахос. Cтатуя Афины закрывала почти полностью от зрителя расположенный вдалеке Эрехтейон. Таким образом, зритель шел некоторое время всецело под впечатлением мощной статуи грозной богини, охраняющей город и встречающей его у ворот Акрополя. И лишь когда он подходил настолько близко к статуе, что охватить ее в целом он уже не мог, перед ним раскрывался вид на Парфенон. Далее «священная дорога» проходила мимо северного фасада Парфенона, проходя мимо колоннады, зритель мог видеть скульптурный фриз с изображением той самой процессии, в которой он сам участвовал. Чрезвычайно характерно, что зритель не видел Парфенона сразу во фронтальном развороте перед собой, он его видел под известным углом, вследствие чего закрывался не только фасад, но и часть боковой стороны, так что можно было полностью ощутить материально объемность и пластичность этого храма. Напротив длинной колоннады Парфенона вырисовывался небольшой по размерам, но выделяющийся своей асимметричной композицией Эрехтейон. Противопоставление этого здания и Парфенона – одна из самых ярких черт ансамбля. Праздничное шествие заканчивалось у алтаря Афины, перед восточным фасадом Парфенона, где происходила торжественная передача жрецу вновь сотканного пеплоса. Таким образом, путем последовательной смены ряда архитектурных эффектов перед афинянами раскрывался ансамбль, составлявший их гордость и славу.

Архитектурные приемы, которыми достигнуты в ансамбле Акрополя единство и цельность впечатления, свойственные в известной мере и другим комплексам классической эпохи, значительно отличаются от приемов ансамблевых решений предыдущих периодов. Отдельные части ансамбля искусно связаны между собой. Это достигнуто путем сопоставления свободно стоящих зданий разной величины и формы, уравновешивающих друг друга не размерами и симметрией расположения, а тонко рассчитанными равновесием и особенностями их архитектуры. В таком сопоставлении задуманы Парфенон и Эрехтейон. Большое значение имеет также глубоко продуманное использование в художественных целях рельефа. Этот прием вообще становится в классическую эпоху обычным архитектурным средством. Весь ансамбль в целом обратил в художественную закономерность неровности скалы. Бросается в глаза намеренное уклонение всех зодчих, строивших на Акрополе в 5 веке, от параллельности в постановке сооружений учет различных точек зрения, открывавшихся на постройки. таким образом, при кажущейся свободе расположения частей, композиция Акрополя основана на строгой системе и точно рассчитана. Важно, что у Фидия есть несколько точек зрения, сумма впечатлений, итогом которых становится идея вечной победы космоса. Также важно, что греков интересует в ансамбле не восприятие всех сооружений в каком-то едином целом, а непременно последовательное рассмотрение каждого здания в отдельности в его пластической самоценности и завершенности.

Отличия от старого Акрополя эпохи писистратидов (архаика, около 560 г. до н.э.). В раннем варианте Акрополя также было мало архитектурных построек, однако между ними не было гармонического равновесия. Например, старые пропилеи воспринимались исключительно с точки зрения их функций – ворот в Акрополь. Кроме того, между архитектурой и природой не было никаких связей и взаимоотношений. Если в архаике между стоявшими в Акрополе храмами не было никакой системы отношений, то у Фидия она продумана очень тонко. В архаике храмы стояли друг напротив друга. Фидий же располагает их под углом 45° к пропилеям, размещая оба здания впритык к обрыву. Таким образом создается замкнутое сакральное пространство – космос.
Пропилеи

Пропилеи (илл. 8 ) являлись парадным входом в Акрополь. С фасада они были оформлены как шестиколонная колоннада, увенчанная фронтоном. С двух сторон под прямым углом к центральному корпусу Пропилей были возведены трехколонные крылья. Элементы комплекса: Пропилеи (ворота между двумя мирами, 6-колонный дорический портик работы Мнесикла), Пиргус (архитектурная ширма в виде стены, декорированной дорическим ордером). Напротив – пинакотека, тоже закрытая ордерной стеной. На углу Пиргоса к Пропилеям примыкает храм Ники Аптерос (Бескрылой).

Важно, что Пропилеи при Перикле сочетают в себе как элементы разных ордерных систем: дорический портик снаружи, ионический – внутри, так и разноуровневые постройки, поскольку холм не ровняли перед началом строительства. Таким образом, первый фронтон Пропилей более низкий, а второй – более высокий. Ионический ордер принципиально выше, поэтому внутреннее пространство Пропилей выше, светлее. Таким образом, настроение процессии, по задумке Фидия, должно было сменяться от строго-торжественного на более радостное и возвышенное.

К Пропилеям вела широкая лестница, в конце которой и вырисовывался четкий гармоничный контур Пропилей. Замечательной в Пропилеях являлась несимметричность обоих крыльев: левое, южное крыло гораздо меньших размеров, чем правое, благодаря чему вся экспозиция Пропилей лишена той холодной симметричной парадности, которая так часто встречается в позднем классицизме.

Вместе с тем несмотря на отсутствие полной симметричности, комплекс Пропилей был чрезвычайно уравновешен и гармоничен. Левое крыло Пропилей было сокращено для того, чтобы на выступающем массивном постаменте-выступе акропольской скалы, так называемом Пиргосе, можно было бы поместить маленький храмик Нике. Этот принцип свободного фасада и асимметрического равновесия объемов очень характерен для греческого искусства эпохи расцвета. Архитектура избавляется этим от той жесткой холодности и абстрактности, которая характеризует, например, монументализм египетской архитектуры. Это очень живая, богатая по своим зрительным впечатлениям, очень человечная архитектура.

Вместо одного входа в Пропилеях сделано пять проемов, средний (для проезда верхом) был больше остальных. Наружный и внутренний фасады представляли собой 6-колонные дорические портики простильного типа. Антаблементы, потолки, фронтоны и кровля обоих портиков находились на разных уровнях. В среднем проезде вместо ступеней устроен пандус, по обе стороны от которого стоят два ряда ионических колонн. Это один из самых ярких примеров совмещения двух ордеров, оно отразило стремление Перикла создать единый эллинский стиль. Потолок Пропилеев и выполненный лет за десять до того потолок птерона Парфенона являются первыми каменными перекрытиями в древнегреческом зодчестве.

С точки зрения идейной программы Акрополя Пропилеи важны, так как они разграничивают для участников шествия два мира: человеческий, из которого они пришли, и сакральный, в который им еще только предстоит войти. Таким образом, проходя через Пропилеи, участники должны очиститься от мирского и хаотичного.

Проходя через ионический портик Пропилей, участники шествия попадали в широкую ионическую колоннаду. Выходя из нее, они оказывались перед статуей Афины Промахос. Статуя связывает Парфенон и Эрехтейон. В центре скульптура, справа архитектура, слева – синтез первого и второго.

НЕГОСУДАРСТВЕННОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

СТОЛИЧНАЯ ФИНАНСОВО-ГУМАНИТАРНАЯ АКАДЕМИЯ

ФАКУЛЬТЕТ ИСКУССТВ ИМЕЖКУЛЬТУРНОЙ КОММУНИКАЦИИ

СПЕЦИАЛЬНОСТЬ: ДИЗАЙН

КУРСОВАЯ РАБОТА

по дисциплине:

История Искусств

Тема: «Особенности архитектуры древней Греции. Ансамбль Афинского Акрополя»

Выполнил студент 3 курса

Лысцева Н. И.

г. Вологда, 2008г.

Введение

1. Система греческих ордеров и их происхождение

1.1 Дорический ордер

1.2 Ионический ордер

1.3 Коринфский ордер

1.4 Кариатиды и атланты

2. Типы греческих храмов

2.1 Особенности архитектуры гомеровского периода(XI – VIII века до н.э.)

2.2 Архитектура в период архаики (VII –VI века до н.э.)

2.3 Ансамбль Афинского акрополя

Заключение

Приложение

Список литературы

Введение

В данной работе мы рассмотрим основные особенности архитектуры Древней Греции.

Зарождение греческого зодчества происходит в конце II тысячелетия до н. э., и в его развитии выделяют 4 этапа: 1100-800 годы до н. э. – гомеровский; 700-600 годы до н. э.- архаика; 500-400 годы до н. э. – классика; 300-100 годы до н. э. – эллинизм.

В частности в первой главе мы описываем происхождение ордера в греческой архитектуре, его основные отличительные признаки, во второй - выясним особенности основных ордерных построек Афинского Акрополя - знаменитого архитектурного ансамбля, типы греческих храмов сформировавшихся в гомеровский период и в период архаики. Во всём греческом искусстве мы находим соединение тонкого интеллектуального расчета и чувственного жизнеподобия. Такого рода отступления от геометрической правильности и уподобляют здание организму – конструктивному, но чуждому абстракции и схемы. Во второй главе на примере храма Парфенон мы опишем эту особенность греческого зодчества, геометрическая правильность Парфенона на каждом шагу сопровождается легкими отклонениями от правильности. Так отклонения горизонталей и вертикалей почти не заметны. Зная действие оптических искажений, греки пользовались этим для достижения нужного эффекта

Ордерный храм был своего рода вершиной в греческом зодчестве и поэтому, он оказал огромное воздействие на последующую историю мировой архитектуре. Художественное творческое начало пронизывает всю работу греческих строителей, которые как скульптурное произведение создавали каждый каменный блок, из которых складывался храм.

Архитектурные формы греческого храма сложились не сразу и в период архаики претерпели длительную эволюцию. Однако в искусстве архаики была уже в основном создана продуманная, ясная и вместе с тем очень разнообразно применявшаяся система архитектурных форм, которая легла в основу всего дальнейшего развития греческого зодчества.

Наследие древнегреческой архитектуры лежит в основе всего последующего развития мирового зодчества и связанного с ним монументального искусства. Причины такого устойчивого воздействия греческой архитектуры заключаются в объективных ее качествах: простоте, правдивости, ясности композиций, гармоничности и пропорциональности общих форм и всех частей, в пластичности органичной связи архитектуры и скульптуры, в тесном единстве архитектурно-эстетических и конструктивно-тектонических элементов сооружений.

Древнегреческая архитектура отличалась полным соответствием форм и их конструктивной основы, составлявших единое целое. Основная конструкция - каменные блоки, из которых выкладывались стены. Колонны, антаблемент (лежащее на опоре-колонне перекрытие) обрабатывались различными профилями, приобретали декоративные детали, обогащались скульптурой.

Греки доводили обработку архитектурных сооружений и всех без исключения деталей декора до высочайшей степени совершенства и отточенности. Эти сооружения можно назвать гигантскими произведениями ювелирного искусства, в которых для мастера не было ничего второстепенного.

Архитектура Древней Греции тесно связана с философией, ибо в ее основе и в основе древнегреческого искусства лежали представления о силе и красоте человека, находившегося в тесном единстве и гармоническом равновесии с окружающей природной и социальной средой, а поскольку в античной Греции получила большое развитие общественная жизнь, то архитектура и искусство носили ярко выраженный социальный характер.

Именно это непревзойденное совершенство и органичность сделали памятники древнегреческой архитектуры образцами для последующих эпох.

Классическим типом греческого храма стал периптер, то есть храм, имевший прямоугольную форму с двускатной крышей и окруженный со всех четырех сторон колоннадой. Периптер в основных чертах сложился уже во второй половине 7 в. до н.э. Дальнейшее развитие храмовой архитектуры шло главным образом по линии совершенствования системы конструкций и пропорций периптера.

1. Система греческих ордеров и их происхождение

На протяжении многих сотен лет греческие архитекторы разрабатывали каждый элемент здания. Итогом их трудов было создание ордерной системы, основной формой которой является колонна.

Колонна со всеми ее деталями, а также части, расположенные над и под колонной, составляют единое целое, и ее возведение подчиняется определенному правилу, порядку. Порядок назвали латинским словом «ордо». Отсюда и названия ордерная система, архитектурный ордер.

Об ордерной системе мы узнали из научного сочинения римского архитектора Витрувия. Он жил в I веке н. э. При написании своего трактата Витрувий пользовался трудами греческих архитекторов, к сожалению, не дошедшими до нас.

Ордер (от лат – «порядок», «строй») предполагал при строительстве зданий использовать единый модуль (меру) – пядь, локоть или ступню. Это придавало постройкам особую законченность. Благодаря ордерной системе в архитектурном сооружении уравновешивались противодействующие силы роста вверх и давления вниз. Несущими частями были основания (стереобат) и его верхняя платформа (стилобат), а так же стоящие на нём опоры (колонны). Несомые части – вся верхняя часть здания, кровля с антаблементом – перекрытием, лежащим непосредственно на колоннах. Антаблемент состоял из трёх соподчиненных частей: архитрава, фриза и карниза. Колонна в свою очередь имела основание (базу), которым опиралась на стереобат – ствол, состоящий из нескольких поставленных друг на друга барабанов, и завершалась «главой»- капителью, в которой выделялась «подушка» - эхин и лежащая на нём сверху квадратная плита – абак.

Греческая архитектура развивалась под влиянием двух ордерных систем: дорической и ионической. Названия этих ордерных систем произошли от названий главнейших греческих племен - дорян, живших в Пелопоннесе, в Сицилии и южной части Апеннинского полуострова, и ионян, обитавших на полуострове Аттика, островах Эгейского моря и в западной части Малой Азии.

Особенности характера дорян, их мужество, твердость, стойкость нашли свое отражение в архитектуре. Главное внимание уделялось не декоративным элементам, а строгой красоте линий.

В отличие от дорян, ионяне имели мягкий характер, были склонны к мирным занятиям и искусствам.

Позже в архитектуре появился третий ордер - так называемый коринфский. Название его произошло от города Коринф, в котором, по преданию, создавался новый ордер. Этот ордер не оказал большого влияния на развитие архитектуры.

Рассмотрим подробнее названные ордерные системы, остановимся на их особенностях.

1.1 Дорический ордер

Колонна в дорическом ордере (рис. 1) не имеет опорной части - базы Ствол ее для устойчивости сужается кверху, украшен продольными желобками - каннелюрами и увенчан капителью. Переход от колонны к капители выполняется в виде нескольких колец (анули). Капитель - конструктивный элемент - служит для уменьшения расстояния между колоннами, а также играет декоративную роль - переход от круглой колонны к прямым линиям балочного перекрытия пролета - антаблемента.

Капитель дорического ордера состоит из эхина, имеющего форму усеченного конуса, и абаки - квадратной плиты. На абаку опирается антаблемент. Он в свою очередь состоит из архитрава - нижней части, фриза - средней части и верхней части - карниза. На архитрав опираются поперечные балки. При деревянных конструкциях торцы балок закрывались деревянными планками, а промежутки заполнялись терракотовыми плитами с живописью или барельефами (скульптурными изображениями, выступающими менее чем на половину объема изображаемого предмета). В каменных конструкциях деревянные планки заменили каменными плитами с вертикальными вырезами - триглифами, промежутки - метопами - каменными плитами со скульптурой или живописным украшением. Карниз нависает над всей конструкцией, предохраняет ее от дождя и завершает всю композицию. В древнейших зданиях колонны состояли из одного цельного камня (монолита), впоследствии же ствол колонны составлялся из нескольких отдельных каменных барабанов. Барабаны прочно стояли один на другом, благодаря своему значительному весу и тяжести верхних частей, но, кроме того, скреплялись между собой штырями (большей частью деревянными), заложенными в квадратные гнезда в центре двух соприкасающихся между собой поверхностей барабанов.

1.2 Ионический ордер

Зародившись в Малой Азии, ионический ордер (рис 2) развивался в Греции. В ордере как бы объединились две школы - малоазиатская и аттическая.

Образцом малоазиатской школы был храм Афины в Приене (320 год до н. э., архитектор Пифей), аттической - Эрехтейон в Афинах (420-393 годы до н. э., архитектор Филокл).

Ионический ордер сложнее дорического и имеет больше деталей. Стройные колонны в основном имеют базу и сложную капитель. Колонны пронизаны вертикальными желобками, но в отличие от каннелюр они глубокие и расположены так, что между ними остаются промежутки - дорожки. Ордер имеет украшенную декоративными деталями капитель со спиралеобразными волютами. Верхняя часть капители представлена квадратной плитой - абакой.